Joaquín Rodrigo, compositor de Hispania

Joaquín Rodrigo

La música de Joaquín Rodrigo representa un homenaje a las distintas culturas de España. Ningún otro compositor español se ha valido, como fuente de inspiración, de tan variadas manifestaciones del alma de su país, desde la historia de la España romana hasta los textos de poetas contemporáneos. Su música es refinada, luminosa, con evidente predominio melódico y con armonía original. Su personal estilo ha creado un singular capítulo en la cultura española del siglo XX, donde la originalidad de su inspiración musical va unida a una devoción por los valores fundamentales de su tradición.

Raymond Calcraft [Fuente]

Joaquín Rodrigo (1901-1999), profundo conocedor de la música antigua española, supo ver –a pesar de o gracias a su ceguera física– como pocos o nadie en la tradición hispana para impulsar su propia inspiración compositiva. De ello dejó muestras en su obra musical, que va desde la música orquestal a la vocal, pasando por la concertística, instrumental y escénica. Su famosísimo Concierto de Aranjuez (1939), para guitarra y orquesta, ha oscurecido una gran producción que merece ser escuchada. Entre los títulos más destacables de su vastísima producción musical baste citar los siguientes: Concierto heroico (1943), para piano y orquesta; Concierto de estío (1944), para violín y orquesta; Ausencias de Dulcinea (1948), para bajo-barítono, cuatro sopranos y orquesta; Fantasía para un gentilhombre (1954), para guitarra y orquesta; Música para un códice salmantino (1953), para bajo, coro mixto y conjunto instrumental; Cántico de la esposa (1934), para soprano y orquesta; Invocación y danza (1961), para guitarra, homenaje a Manuel de Falla; El hijo fingido (1955-1960), zarzuela; Concierto madrigal (1968), para dos guitarras y orquesta; Concierto pastoral (1978), para flauta y orquesta. 

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Nota. Aquí ya habíamos traído su deliciosa Rosaliana (1965), ciclo de canciones sobre cuatro poemas de Rosalía de Castro.

Fantasía para un gentilhombre, Joaquín Rodrigo

Este concierto está inspirado en en seis danzas para guitarra de Gaspar Sanz.

El gentilhombre de la dedicatoria es el gran guitarrista Andrés Segovia.

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Enlaces relacionados

Joaquín Rodrigo, el compositor eterno

Joaquín Rodrigo –Ediciones Joaquín Rodrigo

Joaquín Rodrigo, Premio Príncipe de Asturias 1966

A Robert Schumann

Dedicatoria y homenaje personal a Robert Schumann (1810-1856), 

uno de los más prodigiosos poetas de la historia de la música.

ROBERT SCHUMANN

Lo enérgico y sutil entrelazados,

naturaleza y poesía,

amor desesperado y tierno,

una vida que acaba cuando empieza.

Palabras que cabalgan

a lomos de una música infinita

en busca de una meta inalcanzable.

Fluir de pensamientos y emociones,

espejo de una fuente de quimeras,

belleza rebosante sin fatiga

continuamente deseada.

Alma romántica imperfecta,

Eusebio soñador y Florestán realista,

un hombre que tropieza dando tumbos

y a duras penas se levanta.

Roberto altivo y apocado,

de contundente voz y suspirante,

sobrevolando la vulgaridad.

¡Ah!, entraste muy rotundo por mis venas

para quedar eternamente.

¡Descubrimiento placentero,

casi orgásmico!

Escuchar y escuchar, en pleno gozo,

el aire convertido en un poema

empequeñece a los gigantes;

pero el espíritu se agranda

como queriendo remontarse al polvo,

a la nada... ¡a la nada que fue tanto!

[1998, jul.]

Robert Schumann: Concierto para piano, III. Allegro vivace

Cuartetos de cuerda de Beethoven

La forma musical Cuarteto de cuerdas –para dos violines, viola y violonchelo–, ideada por Joseph Haydn, es tal vez la más emblemática de la música de cámara. Pero fue Beethoven quien la llevó a un nivel inusitado de profundidad y expresividad. Tanto que muchos consideran sus últimos cuartetos (números 12, 13, 14, 15 y 16) como lo más logrado de toda la producción beethoveniana. 

Beethoven, tras un [tiempo en] blanco de doce años en materia de cuartetos de cuerda, comenzó en 1822 a dar síntomas de actividad en tal dirección. Sirvió de estímulo el encargo de un admirador ruso, el Príncipe Nicolás von Galitzin. Y en 1824 compuso el primero de los "últimos cinco", el Cuarteto para cuerdas n.° 12 en mi bemol, op. 127. Desde ese instante se puso a trabajar casi simultáneamente en tres cuartetos. El escrito en tonalidad de la menor, op. 132, y el en si bemol, op. 130, fueron moldeados hacia la misma época, en 1825; y la agenda temática del compositor revela que material a veces proyectado para uno es transferido al otro. El Cuarteto para cuerdas n.° 13 en si bemol, op. 130, incluyendo portentoso Finale original (la Gran Fuga*, luego independizada como Op. 133), fue completado sólo un mes más tarde que el Cuarteto para cuerdas n.° 15 en la menor, op. 132**. Y mientras se hallaba lidiando con ambas creaciones, comenzó el Cuarteto para cuerdas n.° 14 en do sostenido menor, op. 131***, empleando para su fuga de apertura una variante del motivo que había ya utilizado al comienzo del cuarteto en la menor. Entonces, en 1826, y habiendo dejado a sus espaldas tres creaciones cuartetísticas colosales, escribió el más breve y conmovedor Cuarteto para cuerdas n.° 16 en fa mayor, op. 135, tan fantasioso y alado pese a su médula comunicativa. El año 1825 se señala, pues, como notabilísimo en la historia musical, porque los tres cuartetos surgidos ese año son, probablemente, los más grandes que se hayan escrito.—Refinando Nuestros Sentidos

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*v. Opiniones sobre la Gran Fuga (op. 133).

Es el milagro perfecto de toda la música. Ígor Stravinski

Es la pieza contrapuntística más difícil jamás vista. Massimo Mila

Es tal vez pieza la pieza más portentosa de la historia de la música. Gleen Gould

**Beethoven compuso el op. 132 estando muy enfermo; tardó un mes en recuperarse y, agradecido, tituló el adagio como ‘‘Himno sagrado de acción de gracias de un convaleciente a la divinidad, en modo lidio’’.

***Richard Wagner dijo del primer movimiento del op. 131 que ‘revela ‘‘el más melancólico sentimiento expresado en la música’’. Y al parecer, el propio Beethoven consideraba este cuarteto como su obra más perfecta.

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Los últimos cuartetos de Beethoven fueron compuestos entre 1825 y 1826. Los cuartetos tempranos son los seis del op. 18 (compuestos entre 1798 y 1800); los cuartetos medios, los tres del op. 59 ‘Razumovsky’ (compuestos en 1806 para el embajador ruso en Viena Andréi Razumovski, que tocaba el violín), el n.º 10 op. 74 ‘El harpa’ (compuesto en 1809) y el n.º 11 op. 95 ‘Serioso’ (compuesto entre 1810 y 1811), del que el compositor dijo que era una obra escrita para un reducido círculo de entendidos y no para ser interpretado en público. Sea como fuere, Beethoven parece desnudarse en los cuartetos y mostrar en ellos su yo más íntimo.

Para sonorizar esta entrada, valgan sublimes muestras de los geniales, extraordinarios, milagrosos cuartetos de Beethoven: el n.º 15 op. 132 (¡divino tercer movimiento!), el n.º 14 op. 131 (considerado el summum) y la Gran Fuga op. 133 (portentosa). Disfruten de estas obras maestras imperdibles.

Cuarteto de cuerda n.º 15 op. 132. III. Molto adagio

‘‘Himno sagrado de acción de gracias de un convaleciente a la divinidad’’

Cuarteto de cuerda n.º 14 op. 131

Gran Fuga op. 133

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Anexo: Grandes cuartetos de cuerda [orden cronológico de compositores]

Joseph Haydn [Cuartetos de cuerda de Joseph Haydn]:

• Cuartetos op. 3 (6): n.º 5
• Cuartetos op. 74 (3): n.º 3 ‘El jinete’
• Cuartetos op. 76 (6), especialmente n.º 2 ‘De las quintas’, nº. 3 ‘Del Emperador’ y n.º 4 ‘Salida del sol’
• Cuartetos op. 77 (2)

Wolfgang Amadeus Mozart: 

• Cuarteto en re menor, KV 421

Ludwig van Beethoven:

• Cuarteto de cuerda n.° 12 en mi bemol, op. 127
• Cuarteto de cuerda n.º 13 en si bemol mayor, op. 130
• Cuarteto de cuerda n.º 14 en do sostenido menor, op. 131
• Cuarteto de cuerda n.° 15 en la menor, op. 132 ‘Himno sagrado...’
• Grosse Fuge (Gran Fuga), op. 133
• Cuarteto de cuerda n.° 16 en fa mayor, op. 135 ‘‘La difícil decisión’’

Franz Schubert: 

• Cuarteto de cuerda n.º 12 en do menor, D 703 [Mov. aislado]
• Cuarteto de cuerda n.º 13 en la menor, D 804, ‘Rosamunda’
• Cuarteto de cuerda n.º 14 en re menor, D 810, ‘La muerte y la doncella’
• Cuarteto de cuerda n.º 15 en sol mayor, D 887

Felix Mendelssohn: 

• Cuarteto en Mi menor, op. 44, n.º 2

Bedřich Smetana: 

• Cuarteto de cuerda n.º 1, ‘De mi vida’

Alexander Borodín: 

• Cuarteto de cuerda n.º 2

Peter I. Tchaikovsky:

• Cuarteto de cuerda n.º 1

Antonín Dvořák: 

• Cuarteto de cuerda n.º 12, ‘Americano’

Claude Debussy: 

• Cuarteto de cuerda en sol menor

Maurice Ravel: 

• Cuarteto de cuerda en fa mayor

Béla Bartók [Los –6– cuartetos de cuerda de Béla Bartók]: 

• Cuarteto de cuerda n.º 3
• Cuarteto de cuerda n.º 4 
• Cuarteto de cuerda n.º 5 
• Cuarteto de cuerda n.º 6

Heitor Villa-Lobos: 

• Cuarteto de cuerda n.º 1

Dmitri Shostakovich: 

• Cuarteto de cuerda n.º 8

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Grabaciones recomendadas de cuartetos

Grabaciones de cuartetos [+ de otra música de cámara]

Grabaciones de cuartetos de Beethoven

Música y humor: Perpetuum mobile, Johann Strauss

Johann Strauss II (Wiki)

La música clásica, a veces llamada ‘seria’, no está reñida con el humor. Tenemos los ejemplos paradigmáticos de un cuarteto de Haydn subtitulado «La broma» y de un divertimento de Mozart conocido como «Una broma musical». También hay obras musicales, o partes de ellas, que llevan el título de «scherzo», que en italiano significa broma. Existen piezas jocosas, instrumentales o vocales, desde la música antigua; y pensando en canciones, me acuerdo primero de una de Rossini: el «Dúo humorístico de dos gatos». Algunas composiciones no sugieren su tono humorístico y lo tienen; entre ellas, una que Richard Strauss (quien también dejó una importante muestra en este apartado: el poema sinfónico Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel) dijo que le placía en especial un compositor alegre y una de sus piezas breves: ‘‘De todos los dispensadores de alegría dotados por Dios, Johann Strauss es para mí el más entrañable. Admito con gusto que a veces dirigí el Perpetuum Mobile con mucho más placer que muchas sinfonías de cuatro movimientos’’. Bien, pues, escuchemos este sonriente «movimiento perpetuo»...

Dice el director al final: Und so weiter​ (Y así sucesivamente)

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Sobre música y humor

Humor en la música

El humor en la música

Música clásica con humor

El humor en la música: divertimentos, burlescas, humorescas...

Sobre Johann Strauss II (1825-1899)

Perteneciente a la musical Familia Strauss, es conocido como el «rey del vals». Johann Strauss padre, el iniciador de la saga, había desarrollado el vals en su forma actual que junto a su amigo Josef Lanner, y el hijo mayor lo llevó hasta su máxima perfección. Sus hermanos Joseph y Eduard también fueron compositores. Pero él se ha llevado la mayor gloria, con títulos tan sonados como los valses El Danubio azul (1867), Rosas del sur (1880), El vals del emperador (1889) o Voces de primavera (1883), y operetas tan populares como El murciélago (1874) y El barón gitano (1885). Fue Jacques Offenbach quien lo animó a que compusiese música teatral. Tuvo dificultades en su juventud, siendo apresado por las autoridades vienesas por tocar en público «La Marsellesa», que encendía sentimientos revolucionarios, pero luego fue ganando fama con sus composiciones y su propia orquesta, ganando gran popularidad, primero en Austria, Alemania y Polonia, y después en Gran Bretaña, Francia, Italia y Estados Unidos. Fue admirado por Wagner, Brahms y Richard Strauss, con quien, pese a su apellido, no tenía relación de parentesco. Su música es interpretada regularmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, tradición iniciada por el director de orquesta Clemens Krauss en 1939. Una música alegre y sonriente.

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Johann Strauss (hijo) –Wiki

Johann Strauss –Biografías y Vidas

Johann Strauss –Hofburg Orchester

El rey del vals, Johann Strauss –Johann Strauss Conzerte

Quién fue Johann Strauss II o el «rey del vals» –Mayeusis.com

Monumento a Johann Strauss II, Viena

El carnaval de los animales, de Camille Saint-Saëns

Fuente: Valdemusica.blogspot.com

Camille Saint-Saëns (1835-1921) es visto como un músico academicista y serio, que prefiere las estructuras musicales clásicas y la perfección formal, que evita experimentaciones de vanguardia y hace pocos guiños a lo humoresco. Sin embargo, se le considera un eslabón de la música francesa que conduce a Claude Debussy y Maurice Ravel, aunque es sabido que aborrecía la música avanzada y para él difícil de entender de Debussy, compositor bastante más joven. Quizá por eso no quiso que su obra El carnaval de los animales (Le carnaval des animaux), suite en 14 movimientos, se publicara ni se interpretara en público durante su vida, por ser una broma musical, un divertimento alejado de las concepciones académicas, con la excepción del movimiento n.º 10, «El cisne», el más formal, que sí fue publicado e interpretado en vida del compositor. En conjunto, se trata de una “fantasía zoológica”, como la llamó el compositor, en la que desfilan el león, gallinas y gallos, asnos salvajes, tortugas*, el elefante**, canguros, peces, el cuco, fósiles***... y donde no falta la parodia de los humanos (pianistas).  

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*Suena el «can-can» de la operetta Orfeo en los infiernos de Jacques Offenbach.

**Suenan la «Danza de las sílfides» de La Condenación de Fausto de Berlioz y el «Scherzo» de El sueño de una noche de verano de Mendelssohn.

***Suenan la Danza macabra del propio compositor, canciones infantiles y el aria de «Una voce poco fa» de El barbero de Sevilla de Rossini.

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Para muchos críticos, El carnaval de los animales es la mejor obra de Saint-Saëns, y muchos melómanos la tienen como favorita entre sus numerosas composiciones.

Otras interpretaciones AQUÍ/AQUÍ/AQUÍ/AQUÍ

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Otras destacadas composiciones de Saint-Saëns: Concierto para piano n.º 2 –de 5–, Sinfonía n.º 3 –de 5–, Danza macabra, poema sinfónico para violín y orquesta, Variaciones sobre un tema de Beethoven, para piano, y la ópera Sansón y Dalila.

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Grabaciones discográficas de obras de Saint-Saëns

Saint-Saëns. Discografía I, II, III, IV, V –Ángel Carrascosa

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Biografías

Camille Saint-Saëns –epdlp

Charles Camille Saint-Saëns –Biografías y Vidas

Camille Saint-Saëns

Sobre un concierto musical

Bosquejo de la invasión alemana de tierras checas

VIOLENCIA MUSICADA

[Percusión y cuerdas]

En tiempos de frivolidad,

escuchar el Doble concierto de Martinu (*)

nos retrotrae a una violencia bélica,

a un pasado de drama y de tragedia:

la invasión nazi de Checoslovaquia.

(Dos orquestas de cuerda, piano y timbales

narran escenas inquietantes.)

En tiempos de frivolidad ruidosa,

esa música reproduce otros lamentos

de dramas y tragedias similares,

el conflicto ruso-ucraniano, por ejemplo,

actual e intemporal al repetirse la fiereza.

En tiempos de frivolidad malsana,

seguimos esperando que la historia

se enderece. Y no hay manera de alcanzar

un equilibrio permanente

que de guerras nos libre y que la paz mantenga.

Escucho sin frivolidad en la ventana…

[2022, 17 dic.]

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(*) Concierto para dos orquestas de cuerda, piano y timbales.

Doble concierto, Bohuslav Martinů

para dos orquesta de cuerda, piano y timbales

Danza noruega

Halling (Danza noruega) Op. 47 n.º 4 de Piezas líricas de Grieg

HALLING (DANZA NORUEGA)

Ven, ven, ven, ven…

Danza conmigo, danza conmigo,

y todos juntos daremos mil saltos.

Danza, mi amigo, danza, mi amigo,

y brincaremos llegando hasta el cielo,

sí, sí, casi como acróbatas del circo.

Danza conmigo, danza conmigo,

sí, sí, casi como acróbatas del circo.

Gira, mi amigo, gira, mi amigo,

tarara, tarara, tarara, tarara.

Salta conmigo, salta conmigo,

tarara, tarara, tarara, tarara.

Danza, mi amigo, danza, mi amigo,

y no te pares, y no te pares,

y nunca dejes de bailar conmigo.

Y no te pares, no te pares, no te pares,

no te pares, no te pares, no te pares,

no te pares…, mi amigo.

[2024, 26 sep.]

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A esta pieza lírica para piano de Edvard Grieg le hemos añadido una letra, haciéndola canción, igual que a «La paz del bosque», «Canción del marinero», «Arietta», «Berceuse» y «Caminante solitario». Las consideraciones que hicimos en la primera pieza, valen también aquí.

Halling (danza)

Caminante solitario

Caminante solitario Op. 43 n.º 2 de Piezas líricas de Grieg

CAMINANTE SOLITARIO

Cuando camino

por mis veredas

de otro modo la vida entiendo.

Cuando camino

en solitario

veo el mundo de otra manera.

Vivir sin amigos es triste.

Vivir sin un amor aún es peor.

Yo lo sé, yo lo sé,

lo sé muy bien, lo sé muy bien.

¡Oh Dios! ¡Oh Dios!...

No puedo entender, no puedo entender

que la vida pase sin sentido.

No oír otra voz sí que es triste.

Muy triste es vivir en soledad.

Yo lo sé, yo lo sé,

lo sé muy bien, lo sé muy bien.

¡Oh Dios! ¡Oh Dios!...

No puedo entender, no puedo entender

que la vida pase sin sentido.

[2024, 26 sep.]

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A esta pieza lírica para piano de Edvard Grieg le hemos añadido una letra, haciéndola canción, igual que a «La paz del bosque», «Canción del marinero», «Arietta», «Berceuse» y otra pieza lírica que esperamos traer a este espacio. Las consideraciones que hicimos en la primera pieza, valen también aquí.

El caminante sobre el mar de nubes (1818), Caspar David Friedrich

Jurowski dirige Shostakovich

Vladimir Jurowski

El director de orquesta Vladimir Jurowski (1972), dice en una entrevista en la que habla de arte y política: «No podemos cerrar los ojos ante la relación entre las artes y la política». Quien la lea completa tal vez quede admirando de las inteligentes respuestas que da este joven director, que otros músicos eluden. Respecto a su faceta artística, he escuchado varias interpretaciones suyas al frente de diferentes orquestas y me ha impresionado gratamente por su precisa dirección, sin innecesarios aspavientos ni efectismos de cara a la galería. Y traigo al blog una interpretación de la Sinfonía n.º 8 de Dmitri Shostakovich, considerada por algunos de los admiradores de este compositor como la mejor de sus 15 sinfonías; por cierto, un creador artístico muy condicionado por la política soviética. La dirección de Vladimir Jurowski parece hacerle justicia a esta obra oscura.

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Apunte sobre Dmitri Shostakovich (1906-1975) 

Compositor soviético cuya producción abarca todos los géneros musicales, desde la música de cámara a la ópera, pasando por la música sinfónica y la música de cine, siendo además muy prolífico. El más representativo de la desparecida Unión Soviética junto a Sergei Prokofiev, pero su carrera, como la de éste, no fue fácil bajo el régimen de un estado dominante y controlador de las artes. Tampoco fueron fáciles sus inicios formativos, a pesar de haber nacido en el seno de una familia culta; su madre, pianista profesional, le dio las primeras lecciones musicales, pero quedó huérfano de padre siendo adolescente y hubo de tocar en salas de cine como pianista para mantener a los suyos. En el Conservatorio de Leningrado, tuvo como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Ya como compositor reconocido, las críticas del diario Pravda, publicación del Partido Comunista, bajo el mando de Stalin, podía suponer tanto un espaldarazo como un revés a la publicación o difusión de sus composiciones. Tanto era laureado con los Premios del Estado y Lenin y la distinción de Artista del Pueblo, como condenado por el mismo régimen, que calificaba su música de antipopular o excesivamente moderna, lo cual dejó su huella en el estilo de sus últimas composiciones, de tono amargo y sombrío, y una crudeza que contrasta con la jovialidad y desenfadado de las primeras. 

Tras un periodo inicial de vanguardismo musical, el estilo de Shostakóvich derivó hacia un romanticismo musical tardío, con influencia de Mahler combinada con la tradición musical rusa (Mussorgski y Stravinski como referentes), creando un estilo muy personal que evolucionó incluso en algunas obras hacia la atonalidad. Su música tiene contrastes y elementos grotescos, con un componente rítmico muy destacado. Muchos críticos lo consideran el compositor más destacado del siglo XX.

De sus obras, ya sorprendió su Sinfonía n.º 1, escrita para su graduación en el conservatorio. La ópera La nariz y el ballet La edad de oro, confirmaron su talento. Tras revés crítico –no en cambio del público– de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk, calificada de caótica (contraria a la ‘‘música socialista’’: clara y asequible), fue aplaudido por la Sinfonía n.º 5 y, sobre todo, por la patriótica Sinfonía n.º 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo soviético contra el invasor nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la muerte de Stalin, en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, con partituras presididas en torno a la idea de la muerte, caso de sus tres últimas sinfonías (13, 14 y 15)* y sus cuartetos de cuerda, con los que expresaba sus miedos y preocupaciones. 

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*Consideradas geniales por un crítico, junto a las sinfonías 4 y 8. 

–Aunque he hallado dos artículos que clasifican las 15 sinfonías por orden creciente de calidad de diferente modo (resaltamos el top 3 de cada una):

A: 6, 12, 3, 11, 2, 1, 14, 13, 4, 8, 9, 7, 15, 10, 5.
B: 3, 2, 14, 9, 12, 1, 6, 8, 13, 10, 7, 11, 15, 5, 4.

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Dmitri Shostakovich –Biografías y Vidas

Dmitri Shostakóvich –Wiki

Dmitri Shostakovich –epdlp

Dmitri Shostakovich –Last.fm

Dmitri Shostakóvich: biografía y obras destacadas –Teatro Real

Shostakóvich, una vida marcada por el terror soviético –The Objetive

—Grabaciones discográficas

Dimitri Shostakovich: Discografía (Sinfonías 4-10) –A. Carrascosa

Dimitri Shostakovich: Discografía (Sinfonías 11-15) –A. Carrascosa

La Octava Sinfonía de Shostakovich –A. Carrascosa

Las mejores versiones de las sinfonías de Shostakovich –F. López Vargas-Machuca

Canción de cuna

Berceuse Op. 38 n.º 1 de Piezas líricas de Grieg

BERCEUSE

Amor mío

voy a cantarte una nana

con cariño

para que pronto te duermas.

Ea, ea,

vete cerrando los ojos.

Ea, ea, ea, ea.

Vida mía

quiero que ahora descanses

para verte

mañana muy sonriente.

Ea, ea,

vete cerrando los ojos.

Ea, ea, ea, ea.

Y soñarás, y soñarás,

y soñarás, soñarás, soñarás, soñarás

con los angelitos del cielo.

Duerme mi amor, duerme mi amor,

duerme mi amor, oh mi amor, oh mi amor, oh mi amor,

que no hay lobos ni brujas. Duerme…

Amor mío

voy a cantarte una nana

con cariño

para que pronto te duermas,

para que pronto te duermas,

para que pronto te duermas,

pronto, pronto, pronto, pronto, pronto, pronto.

Ea, ea, ea, ea.

Vida mía

quiero que ahora descanses

para verte

mañana muy sonriente.

Ea, ea,

vete cerrando los ojos.

Ea, ea, ea, ea.

[2024, 25 sep.]

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A esta pieza lírica para piano de Edvard Grieg, una nana, le hemos añadido una letra, haciéndola canción, igual que a «La paz del bosque», «Canción del marinero», «Arietta» y otras piezas líricas que esperamos traer a este espacio. Las consideraciones que hicimos en la primera pieza, valen también aquí.

Prokofiev, el compositor de Romeo y Julieta

Serguéi Prokófiev (1891-1953), compositor ucraniano/soviético, figura relevante de la música del siglo XX, estudió en el Conservatorio de San Petersburgo con Reingold Glier, Nikolái Rimski-Kórsakov y Anatoli Liadov, y el día de su graduación interpretó una obra propia: el Concierto para piano n.º 1 (1911). De 1918 a 1933 vivió fuera de su páis, realizando giras como pianista, interpretando sus propias creaciones, por Europa y Estados Unidos, y se estableció en París durante diez años, donde trabajó para los ballets rusos de Diaguilev. En 1934 regresó a la Unión Soviética, donde fue reconocido, pese a algunas disputas con las autoridades, por su música intelectual y disonante. Pero sus estridencias iniciales, como las de la Suite escrita para orquesta (1914), dieron paso a una música melódica, de armonías singulares y ritmos vivaces, cuya culminación es el ballet Romeo y Julieta (1936). Y además de las piezas señaladas, compuso otras obras de interés en diferentes formas musicales: 7 Sinfonías (a destacar las número 1 «Clásica», 3, 4 y 5), 5 Conciertos para piano (a destacar el n.º 3), 2 Conciertos para violín,  el ballet Cinderella, la suite orquestal El teniente Kijé (1933), el cuento orquestado –con narrador– para niños Pedro y el lobo,  9 Sonatas para piano (a destacar las números 6, 7 y 8), 2 Sonatas para violín y piano, la ópera El amor de las tres naranjas y la cantata Alejandro Nevski (1938, para la película del director soviético Serguéi Eisenstein). Un logro teniendo en cuenta la presión que ejercían las autoridades soviéticas sobre los creadores artísticos.

Hechos relevantes o curiosos. 

Su Primera sinfonía «Clásica» la concluyó en septiembre de 1917, casi víspera de la Revolución Rusa de octubre, y tras su estreno, en 1918, fue llamado por el primer comisario de Instrucción Popular de la recién nacida república soviética, quien consideró al compositor un revolucionario de la música, como él lo era de la vida, y lo instó a trabajar juntos, pero al poco tiempo Prokofiev abandonó el país, a través de Vladivostok, rumbo a Tokio y, finalmente, San Francisco; residió en EE.UU. y, seguidamente, en Alemania y Francia, no regresando a su patria hasta 1932. 

En 1923, Prokofiev se casó en Alemania con la soprano española Lina Lluvera; tuvieron dos hijos. En el verano de 1938, ya de vuelta en Rusia, el matrimonio tomó vacaciones por separado, siguiendo la costumbre, y Serguéi se alojó en una localidad montañosa donde conoció a Mira Mendelson, estudiante de literatura de la que se enamoró y con la que llegaría a casarse formalmente en 1948, el mismo año en que el Politburó condenó la música formalista, en la que se incluía a Prokofiev, mientras Lina era acusada de espionaje y condenada a trabajar veinte años en un campo de régimen severo, no llegando a ser liberada hasta 1956.

El compositor falleció en Moscú el mismo día que Stalin: 5 de marzo de 1953. Su muerte fue repentina, al parecer por una hemorragia cerebral, a los 61 años. 

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Serguéi Prokófiev –epdlp

Serguéi Prokófiev –Biografías y Vidas

Serguéi Prokófiev, el músico rebelde que se sometió a Stalin

Romeo y Julieta: Suite 2

Romeo y Julieta: Ballet completo escenificado

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Enlaces relacionados

—Composiciones de Prokofiev

Lista de composiciones de Prokofiev [y AQUÍ]

Catálogo de obras de Prokofiev –Barry Editorial

Historia de la sinfonía: Prokofiev

—Grabaciones discográficas

Discografía de Prokofiev (III) –Ángel Carrascosa

Fuente

A la memoria de un ángel

Fuente

El Concierto para violín de Alban Berg, conocido como «A la memoria de un ángel», resultó de un encargo del violinista Louis Krasner a este compositor dodecafónico. Krasner quería una obra lírica, que ayudase al público a comprender que la música dodecafónica no era cerebral o matemática, y eligió a Berg por ser el músico más lírico de los tres músicos más importantes que seguían el método compositivo llamado dodecafonismo (los otros dos eran Arnold Schönberg y Anton Webern). Poco después del encargo, una hija de Alma Mahler llamada Manon Gropius, a la que Berg estaba muy unido desde que naciera, contrajo la poliomielitis, justo cuando ella iba a interpretar el papel de primer ángel en la obra El gran teatro del mundo, de Calderón de la Barca. Poco después, en abril de 1935, Manon falleció, y Berg, muy afectado, compuso el Concierto para violín pensando en ella, intentando que reflejase su personalidad, así como su sufrimiento, muerte y transfiguración (al modo de Muerte y transfiguración de Richard Strauss, la única obra de este compositor que Berg apreciaba). Curiosamente, Alban Berg falleció en diciembre de ese mismo año que Manón, a causa de una septicemia –v. abajo. 

El estreno del concierto se produjo unos meses después de la muerte del compositor, el 19 de abril de 1936, en el Festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea, celebrado en el Palacio de la Música Catalana de Barcelona, con Hermann Scherchenen como director y Louis Krasner como solista. En el violín resonaba el espíritu de Manón y el alma de Berg...

Berg: Violin C - Zukerman, London Symphony O., Boulez

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Apunte sobre Alban Berg (1885-1935)

Compositor austriaco, alumno de Arnold Schönberg y perteneciente a la Segunda Escuela de Viena*, Incursionó como ellos en la atonalidad y, luego, en el dodecafonismo**, creado por  Schönberg. Berg utilizó el sistema dodecafónico de una forma particular, combinándolo con formas y técnicas musicales de los siglos anteriores. Sus primeras obras muestran la influencia de Richard Wagner y Gustav Mahler. Entre sus composiciones principales están la ópera Wozzeck, ejemplo de ópera expresionista, cuya atonalidad característica se refuerza con progresiones armónicas tonales; Lulu, su segunda ópera, también de carácter expresionista de la primera y con uso del sistema dodecafónico, en el que cada personaje posee su propia serie de tonos; el Concierto para violín «A la memoria de un ángel», su última obra, con su particular serie de doce tonos y una referencia al final de la melodía coral de la Cantata n.º 60 de Johann Sebastian Bach. 

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*Integrada por Arnold Schoenberg –su líder–, Alban Berg y Anton Webern (la tríada vienesa). [La Primera Escuela de Viena fue la constituida por Franz Josef Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.]

**Dodecafonismo o sistema dodecafónico: método de composición musical atonal en el que se utiliza sistemáticamente las doce notas de la escala cromática.

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Alban Berg, morir por una picadura infectada. La causa de su muerte fue la picadura de un insecto en la espalda, probablemente de una abeja o una avispa, que se sobreinfectó y dio lugar a un ántrax con importante supuración. Al parecer, para drenar el absceso de pus su esposa le practicó una incisión con unas tijeras caseras, no esterilizadas, lo que prococó septicemia (infección generalizada de todo el organismo). Ya en un hospital, no pudieron hacer nada por salvar su vida, y murió el día de Nochebuena por paro cardíaco motivado por la sepsis, a los 50 años.

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Alban Berg –Wiki

Alban Berg –Biografías y Vidas

Alban Berg –Juan José Olives

Alban Berg: Discografía (y II) –Angel Carrascosa

Alban Berg

Adoración de Tchaikovsky por Mozart

Tchaikovsky describió la música de Mozart como una encarnación de la belleza divina en una forma humana que inspiraba amor, y a Mozart como un ‘‘Cristo musical’’. Esta adoración por Mozart tuvo su origen en su infancia, a los cinco años, cuando escuchó extractos de Don Giovanni (*) en el orquestrión que su padre había traído de San Petersburgo, especialmente el aria de Zerlina ‘‘Vedrai, carino’’. El pequeño Piotr quedó tan fascinado por esta melodía, que su madre le enseñó a tocar en el piano. Y su pasión por Mozart duró toda su vida, como escribió su hermano Modest en la biografía del compositor.

Tchaikovsky y Mozart

(*) Tchaikovsky admiraba muchas composiciones de Mozart, pero sobre todo Don Giovanni, que consideraba como la más grande de todas las óperas. Y por su creatividad espontánea, Mozart era para Tchaikovsky el músico y artista ideal.

Don Giovanni: ‘‘Vedrai, carino’’

Por su amor a Mozart, Tchaikovsky escribió la Suite n.º 4 ‘‘Mozartiana’’.

1. Gigue, 2. Menuet, 3. Preghiera, 4. Tema con variazioni

Arietta

Arietta Op. 12 n.º 1 de Piezas líricas de Grieg

ARIETTA 

Tras un sueño tan feliz

entra el sol con suavidad

y en un hondo cielo azul 

suena tu dulce cantar.

Pero es otro mi sentir

cuando tu sombra se va.

Si tus ojos no me ven

nada en el mundo es igual

y hay siempre una luna gris

sin tu amoroso mirar. 

Pero vuelve mi ilusión

cuando conmigo tú estás.

[2024, 25 sep.]

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A esta pieza lírica para piano de Edvard Grieg, una nana, le hemos añadido una letra, haciéndola canción, igual que a «La paz del bosque», «Canción del marinero» y otras piezas líricas que esperamos traer a este espacio. Las consideraciones que hicimos en la primera pieza, valen también aquí.

Edvard Grieg: Arietta

Canción del marinero

Canción del marinero Op. 68 n.º 1 de Piezas líricas de Grieg

CANCIÓN DEL MARINERO

Tengo el mar

y nunca siento temor aquí.

Tengo el mar

y nada falta para vivir.

Tengo el mar

y el mundo todo en mi bergantín.

Tengo el mar

y siempre creo que soy feliz.

Bajo el sol

navegamos con el viento.

Bajo el sol

surcamos cualquier océano.

Bajo el sol

arribamos ya,

arribamos, arribamos

a puerto, a puerto, a puerto...

Tengo el mar

y el mundo todo en mi bergantín.

Bajo el sol

navegamos con el viento.

Bajo el sol

surcamos cualquier océano.

Bajo el sol

arribamos ya,

arribamos, arribamos

a puerto, a puerto, a puerto...

Tengo el mar

y siempre creo que soy feliz.

[2024, 26 sep.]

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A la marinera pieza lírica para piano de Edvard Grieg le hemos añadido una letra, convirtiéndola en canción, igual que a «La paz del bosque» y otras piezas líricas que iremos trayendo a este espacio donde lo melódico es tan importante. Las consideraciones que hicimos entonces, valen también aquí.

El lago encantado, de Anatoli Liadov

Apuntes sobre El lago encantado, poema sinfónico de Anatoli Liadov:

Hay una clase especial de obras musicales que tratan de evocar lugares o paisajes mágicos. Claro de Luna, la famosa pieza para piano de Claude Debussy, por ejemplo, hace aparecer ante la mayoría de los oyentes una escena encantada iluminada por la luna; el comienzo del ballet de Maurice Ravel, Daphnis et Chloé, sugiere un mundo pasado donde juegan las ninfas y los sátiros. El lago encantado, el breve poema sinfónico de Anatoli Liadov, es otra composición de este tipo. (...) Liadov abre y cierra la pieza con un susurro silencioso de los instrumentos de cuerda en sordina. Sólo un puñado de motivos distintos completan los materiales de composición a partir de los cuales Liadov crea esta obra: un breve chirrido de las flautas; frases melódicas cortas en delicados ritmos; unas pocas pinceladas de color del arpa, la celesta o la trompa. Son ideas musicales más seductoras que imponentes, y Liadov las combina con armonías ambiguas para crear un luminoso e impresionista paisaje sonoro.

Liadov: El lago encantado, Paul Chiavo

El Lago encantado op. 62 se estrenó en San Petersburgo, el 21 de febrero de 1909 bajo la dirección del compositor. Esta pieza iba destinada a una ópera, Zoryushka, que Liadov nunca acabó, basada en una antigua leyenda eslava. Su música no transmite narrativa programática, sino que evoca una escena de misterio silencioso y reluciente belleza. La música es notable por su delicadeza y moderación. Pocos compositores de su época, se habrían atrevido a evitar la expresión dramática en favor de la iridiscencia silenciosa tan completamente como lo hace Liadov aquí.

Anatoli Liadov: El lago encantado Op. 62, Classic Musica

El compositor se refirió a El lago encantado (1908) como un "cuadro de fábula", y fue su favorita entre sus composiciones: "Qué pintoresco es", escribió a un amigo, "qué clara es la multitud de estrellas que se ciernen sobre los misterios de las profundidades". No hay ruegos ni quejas; sólo la naturaleza, fría, malévola y fantástica como un cuento de hadas. Uno tiene que sentir el cambio de los colores, el claroscuro, la incesantemente cambiante quietud y la aparente inmovilidad." La pieza es en efecto una maravilla de serenidad mística...

The Enchanted Lake, Herbert Glass

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Apunte sobre Liadov

Anatoli Liádov (1855-1914) recibió la primera formación musical de su padre y la definitiva en el Conservatorio de San Peterburgo, estudiando composición con Nikolái Rimski-Kórsakov. Llegó a ser expulsado de ese convervatorio por faltar a clase, siendo readmitido dos años después, y ya formado fue profesor de composición de ese mismo establecimiento de formación musical. Perteneció al Círculo Beliáyev –junto a Alexander Glazunov y el propio Nikolai Rimski-Kórsakov, que había pertenecido al Grupo de los Cinco. Mussorgsky advirtió su talento y Prokofiev fue alumno suyo. Un pensamiento del compositor: «El arte es el reino de lo inexistente. El arte es un producto, un cuento de hadas, un fantasma. Dame una leyenda, un dragón, un espíritu de agua, un demonio del bosque; dame algo irreal y estoy feliz». Y una anécdota: al parecer Diáguilev, el fundador de los Ballets Rusos, le encargó la partitura de El pájaro de fuego, pero tardaba tanto en comenzar que le hizo el ofrecimiento definitivo a Stravinsky. No escribió obras de gran envergadura, pero fue un maestro de la miniatura;  pequeñas piezas para piano y poemas sinfónicos son su mayor legado.