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domingo, 9 de agosto de 2026

El atropello


[Microrrelato] 

El golpe fue sonoro. Yo conducía solo en la oscura madrugada y no vi a la persona que cruzaba la carretera. Pero escuché sus gritos y su cuerpo rodar por el barranco a cuyo borde mi auto eléctrico se detuvo, tras impactar contra un árbol. No estaba herido, y el daño material poco importaba. Lo trascendente era la muerte segura de aquel ser, hombre o mujer. Pensé en mi padre, quien por mi graduación quiso regalarme el coche siniestrado, el último año que se permitían vehículos de combustión (no había alternativa). Reparé en mi hermano abogado: ¿cómo podría evitar que fuese a la cárcel por homicidio involuntario? E imaginé a la familia del desafortunado... ¡Ah!, tenía dos problemas, uno familiar y otro legal. Llamé a mi hermano abogado y vino hasta el lugar. Juntos exploramos el barranco, cuando ya amanecía. Y al fin hallamos el cuerpo atropellado: un oso pardo.

[2023, 10 oct.]


Haydn – Sinfonía n.º 82 ‘‘El oso’’: Final
Curiosidades
El estreno de esta sinfonía, en 1787 en París, fue dirigido por el músico mulato Joseph Boulogne, conocido como Chevalier de Saint-Georges.
Es el final de la sinfonía el que le dio el subtítulo ‘‘El oso’’, porque el bajo zumbante y la atmósfera de carnaval campestre sugerían osos bailarines a los franceses.

martes, 5 de mayo de 2026

El ricercar

El ricercar (o ricercare) es una forma musical instrumental de los siglos XVI y XVII, precursora de la fuga, caracterizada por ser una pieza ‘‘de búsqueda’’, investigación o exploración intelectual de un tema contrapuntístico. Originada en Italia, su estilo serio y técnico alterna pasajes imitativos con tocatas rapsódicas.

Es el eslabón que une la libertad de la tocata con el rigor de la fuga.

El más famoso es el Ricercar a 6 voces de la Ofrenda Musical (BWV 1079) de Johann Sebastian Bach. Esta obra cumbre del contrapunto barroco fue escrita sobre un tema propuesto por Federico II el Grande de Prusia y es célebre por su complejidad, belleza sonora y su histórica orquestación por Anton Webern.

Ricercar a 6 from de la Ofrenda musical BWV 1079 de J. S. Bach

lunes, 23 de marzo de 2026

Joaquín Rodrigo, compositor de Hispania

La música de Joaquín Rodrigo representa un homenaje a las distintas culturas de España. Ningún otro compositor español se ha valido, como fuente de inspiración, de tan variadas manifestaciones del alma de su país, desde la historia de la España romana hasta los textos de poetas contemporáneos. Su música es refinada, luminosa, con evidente predominio melódico y con armonía original. Su personal estilo ha creado un singular capítulo en la cultura española del siglo XX, donde la originalidad de su inspiración musical va unida a una devoción por los valores fundamentales de su tradición.
Raymond Calcraft [Fuente]
Joaquín Rodrigo (1901-1999), profundo conocedor de la música antigua española, supo ver –a pesar de o gracias a su ceguera física– como pocos o nadie en la tradición hispana para impulsar su propia inspiración compositiva. De ello dejó muestras en su obra musical, que va desde la música orquestal a la vocal, pasando por la concertística, instrumental y escénica. Su famosísimo Concierto de Aranjuez (1939), para guitarra y orquesta, ha oscurecido una gran producción que merece ser escuchada. Entre los títulos más destacables de su vastísima producción musical baste citar los siguientes: Concierto heroico (1943), para piano y orquesta; Concierto de estío (1944), para violín y orquesta; Ausencias de Dulcinea (1948), para bajo-barítono, cuatro sopranos y orquesta; Fantasía para un gentilhombre (1954), para guitarra y orquesta; Música para un códice salmantino (1953), para bajo, coro mixto y conjunto instrumental; Cántico de la esposa (1934), para soprano y orquesta; Invocación y danza (1961), para guitarra, homenaje a Manuel de Falla; El hijo fingido (1955-1960), zarzuela; Concierto madrigal (1968), para dos guitarras y orquesta; Concierto pastoral (1978), para flauta y orquesta. 
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Nota. Aquí ya habíamos traído su deliciosa Rosaliana (1965), ciclo de canciones sobre cuatro poemas de Rosalía de Castro.

Fantasía para un gentilhombre, Joaquín Rodrigo
Este concierto está inspirado en en seis danzas para guitarra de Gaspar Sanz.
El gentilhombre de la dedicatoria es el gran guitarrista Andrés Segovia.
***
Enlaces relacionados
Joaquín Rodrigo –Ediciones Joaquín Rodrigo

miércoles, 17 de diciembre de 2025

A Robert Schumann


Dedicatoria y homenaje personal a Robert Schumann (1810-1856), 
uno de los más prodigiosos poetas de la historia de la música.


ROBERT SCHUMANN

Lo enérgico y sutil entrelazados,
naturaleza y poesía,
amor desesperado y tierno,
una vida que acaba cuando empieza.
Palabras que cabalgan
a lomos de una música infinita
en busca de una meta inalcanzable.
Fluir de pensamientos y emociones,
espejo de una fuente de quimeras,
belleza rebosante sin fatiga
continuamente deseada.
Alma romántica imperfecta,
Eusebio soñador y Florestán realista,
un hombre que tropieza dando tumbos
y a duras penas se levanta.
Roberto altivo y apocado,
de contundente voz y suspirante,
sobrevolando la vulgaridad.
¡Ah!, entraste muy rotundo por mis venas
para quedar eternamente.
¡Descubrimiento placentero,
casi orgásmico!
Escuchar y escuchar, en pleno gozo,
el aire convertido en un poema
empequeñece a los gigantes;
pero el espíritu se agranda
como queriendo remontarse al polvo,
a la nada... ¡a la nada que fue tanto!

[1998, jul.]

Robert Schumann: Concierto para piano, III. Allegro vivace

domingo, 14 de diciembre de 2025

Cuartetos de cuerda de Beethoven


La forma musical Cuarteto de cuerdas –para dos violines, viola y violonchelo–, ideada por Joseph Haydn, es tal vez la más emblemática de la música de cámara. Pero fue Beethoven quien la llevó a un nivel inusitado de profundidad y expresividad. Tanto que muchos consideran sus últimos cuartetos (números 12, 13, 14, 15 y 16) como lo más logrado de toda la producción beethoveniana. 
Beethoven, tras un [tiempo en] blanco de doce años en materia de cuartetos de cuerda, comenzó en 1822 a dar síntomas de actividad en tal dirección. Sirvió de estímulo el encargo de un admirador ruso, el Príncipe Nicolás von Galitzin. Y en 1824 compuso el primero de los "últimos cinco", el Cuarteto para cuerdas n.° 12 en mi bemol, op. 127. Desde ese instante se puso a trabajar casi simultáneamente en tres cuartetos. El escrito en tonalidad de la menor, op. 132, y el en si bemol, op. 130, fueron moldeados hacia la misma época, en 1825; y la agenda temática del compositor revela que material a veces proyectado para uno es transferido al otro. El Cuarteto para cuerdas n.° 13 en si bemol, op. 130, incluyendo portentoso Finale original (la Gran Fuga*, luego independizada como Op. 133), fue completado sólo un mes más tarde que el Cuarteto para cuerdas n.° 15 en la menor, op. 132**. Y mientras se hallaba lidiando con ambas creaciones, comenzó el Cuarteto para cuerdas n.° 14 en do sostenido menor, op. 131***, empleando para su fuga de apertura una variante del motivo que había ya utilizado al comienzo del cuarteto en la menor. Entonces, en 1826, y habiendo dejado a sus espaldas tres creaciones cuartetísticas colosales, escribió el más breve y conmovedor Cuarteto para cuerdas n.° 16 en fa mayor, op. 135, tan fantasioso y alado pese a su médula comunicativa. El año 1825 se señala, pues, como notabilísimo en la historia musical, porque los tres cuartetos surgidos ese año son, probablemente, los más grandes que se hayan escrito.—Refinando Nuestros Sentidos
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Es el milagro perfecto de toda la música. Ígor Stravinski
Es la pieza contrapuntística más difícil jamás vista. Massimo Mila
Es tal vez pieza la pieza más portentosa de la historia de la música. Gleen Gould

**Beethoven compuso el op. 132 estando muy enfermo; tardó un mes en recuperarse y, agradecido, tituló el adagio como ‘‘Himno sagrado de acción de gracias de un convaleciente a la divinidad, en modo lidio’’.

***Richard Wagner dijo del primer movimiento del op. 131 que ‘revela ‘‘el más melancólico sentimiento expresado en la música’’. Y al parecer, el propio Beethoven consideraba este cuarteto como su obra más perfecta.
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Los últimos cuartetos de Beethoven fueron compuestos entre 1825 y 1826. Los cuartetos tempranos son los seis del op. 18 (compuestos entre 1798 y 1800); los cuartetos medios, los tres del op. 59 ‘Razumovsky’ (compuestos en 1806 para el embajador ruso en Viena Andréi Razumovski, que tocaba el violín), el n.º 10 op. 74 ‘El harpa’ (compuesto en 1809) y el n.º 11 op. 95 ‘Serioso’ (compuesto entre 1810 y 1811), del que el compositor dijo que era una obra escrita para un reducido círculo de entendidos y no para ser interpretado en público. Sea como fuere, Beethoven parece desnudarse en los cuartetos y mostrar en ellos su yo más íntimo.

Para sonorizar esta entrada, valgan sublimes muestras de los geniales, extraordinarios, milagrosos cuartetos de Beethoven: el n.º 15 op. 132 (¡divino tercer movimiento!), el n.º 14 op. 131 (considerado el summum) y la Gran Fuga op. 133 (portentosa). Disfruten de estas obras maestras imperdibles.

Cuarteto de cuerda n.º 15 op. 132. III. Molto adagio
‘‘Himno sagrado de acción de gracias de un convaleciente a la divinidad’’


***
Anexo: Grandes cuartetos de cuerda [orden cronológico de compositores]
  • Cuartetos op. 3 (6): n.º 5
  • Cuartetos op. 74 (3): n.º 3 ‘El jinete’
  • Cuartetos op. 76 (6), especialmente n.º 2 ‘De las quintas’, nº. 3 ‘Del Emperador’ y n.º 4 ‘Salida del sol’
  • Cuartetos op. 77 (2)
Wolfgang Amadeus Mozart: 
  • Cuarteto en re menor, KV 421
Ludwig van Beethoven:
  • Cuarteto de cuerda n.° 12 en mi bemol, op. 127
  • Cuarteto de cuerda n.º 13 en si bemol mayor, op. 130
  • Cuarteto de cuerda n.º 14 en do sostenido menor, op. 131
  • Cuarteto de cuerda n.° 15 en la menor, op. 132 ‘Himno sagrado...’
  • Grosse Fuge (Gran Fuga), op. 133
  • Cuarteto de cuerda n.° 16 en fa mayor, op. 135 ‘‘La difícil decisión’’
Franz Schubert: 
  • Cuarteto de cuerda n.º 12 en do menor, D 703 [Mov. aislado]
  • Cuarteto de cuerda n.º 13 en la menor, D 804, ‘Rosamunda’
  • Cuarteto de cuerda n.º 14 en re menor, D 810, ‘La muerte y la doncella’
  • Cuarteto de cuerda n.º 15 en sol mayor, D 887
Felix Mendelssohn: 
  • Cuarteto en Mi menor, op. 44, n.º 2
Bedřich Smetana: 
  • Cuarteto de cuerda n.º 1, ‘De mi vida’
Alexander Borodín: 
  • Cuarteto de cuerda n.º 2
Peter I. Tchaikovsky:
  • Cuarteto de cuerda n.º 1
Antonín Dvořák: 
  • Cuarteto de cuerda n.º 12, ‘Americano’
Claude Debussy: 
  • Cuarteto de cuerda en sol menor
Maurice Ravel: 
  • Cuarteto de cuerda en fa mayor
  • Cuarteto de cuerda n.º 3
  • Cuarteto de cuerda n.º 4 
  • Cuarteto de cuerda n.º 5 
  • Cuarteto de cuerda n.º 6
Heitor Villa-Lobos: 
  • Cuarteto de cuerda n.º 1
Dmitri Shostakovich: 
  • Cuarteto de cuerda n.º 8
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Grabaciones recomendadas de cuartetos
Grabaciones de cuartetos [+ de otra música de cámara]

domingo, 2 de noviembre de 2025

Un médico en el cementerio


La vida de los muertos perdura en la memoria de los vivos. Cicerón

«Los que me acompañan en el camposanto» es un escrito del doctor Ángel López Hernanz, médico rural al que ya hemos traído a este espacio,...
Hay algo en esas lápidas y retratos que detiene el tiempo. Son rostros que sonríen congelados en un instante que ya no existe. Algunos me miraban desde el mármol como si aún esperaran mi última visita como médico; otros parecían descansar al fin, en una paz deseada. 
(…)
Mientras caminaba entre aquellas tumbas, comprendí que el cementerio, para mí, es un lugar de memoria. Es casi un mapa de mi propia historia médica y humana. Allí están los que me enseñaron a escuchar, los que me dieron las gracias con una sonrisa, los que me hicieron dudar, mis errores, los que me mostraron que curar no siempre es salvar… y que acompañar también es una forma de medicina.
(…)
Pensé que quienes descansan allí siguen, de alguna manera, acompañándome. Y que, tal vez, cada vez que los recuerdo, los resucito un poco. Los que yacen en el camposanto no se han ido del todo. Recuerdo sus nombres, siguen conmigo en mi memoria, en mis manos, y me ayudan como médico en cada decisión que tomo. 
...en el que refleja su sentir en una visita al cementerio de su localidad. 

Un texto revelador y conmovedor. Apropiado para el día de homenaje a los difuntos, que despierta profundos sentimientos en los vivos. A fin de cuentas, los muertos nos hacen sentir lo que seremos.

Réquiem de Fauré: Introitus y Kyrie
Requiem æternam dona eis, Domine,
et lux perpetua luceat eis.
Dales, Señor, descanso eterno
y que la luz perpetua los ilumine.

miércoles, 6 de agosto de 2025

Al abrigo de la música



AL ABRIGO DE LA MÚSICA

Qué música desnuda, sin palabras…
Despierta en mí un lenguaje silencioso
en su mar discontinuo, sosegado
o tempestuoso. Alteran la emoción
imágenes de tono sonriente
y de llorosa oscuridad. Y brotan
desmesuradas sensaciones
e ideas inefables
en el discurso de las notas bellas
que el corazón encogen y la mente
elevan sin esfuerzo
hasta dorados cielos fabulosos.
La música infinita, tan desnuda,
abriga mi alma desnortada y sola.

[2024, 18 oct.]
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Debussy: Suite Bergamasque
La Suite Bergamasque toma su nombre de las máscaras de la Commedia dell'Arte di Bérgamo (Comedia del arte de Bérgamo) y está inspirada en las Fêtes galantes (Fiestas galantes) de Paul Verlaine.

domingo, 27 de julio de 2025

Música y humor: Perpetuum mobile, Johann Strauss

La música clásica, a veces llamada ‘seria’, no está reñida con el humor. Tenemos los ejemplos paradigmáticos de un cuarteto de Haydn subtitulado «La broma» y de un divertimento de Mozart conocido como «Una broma musical». También hay obras musicales, o partes de ellas, que llevan el título de «scherzo», que en italiano significa broma. Existen piezas jocosas, instrumentales o vocales, desde la música antigua; y pensando en canciones, me acuerdo primero de una de Rossini: el «Dúo humorístico de dos gatos». Algunas composiciones no sugieren su tono humorístico y lo tienen; entre ellas, una que Richard Strauss (quien también dejó una importante muestra en este apartado: el poema sinfónico Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel) dijo que le placía en especial un compositor alegre y una de sus piezas breves: ‘‘De todos los dispensadores de alegría dotados por Dios, Johann Strauss es para mí el más entrañable. Admito con gusto que a veces dirigí el Perpetuum Mobile con mucho más placer que muchas sinfonías de cuatro movimientos’’. Bien, pues, escuchemos este sonriente «movimiento perpetuo»...

Dice el director al final: Und so weiter​ (Y así sucesivamente)
***
Sobre música y humor

Sobre Johann Strauss II (1825-1899)
Perteneciente a la musical Familia Strauss, es conocido como el «rey del vals». Johann Strauss padre, el iniciador de la saga, había desarrollado el vals en su forma actual que junto a su amigo Josef Lanner, y el hijo mayor lo llevó hasta su máxima perfección. Sus hermanos Joseph y Eduard también fueron compositores. Pero él se ha llevado la mayor gloria, con títulos tan sonados como los valses El Danubio azul (1867), Rosas del sur (1880), El vals del emperador (1889) o Voces de primavera (1883), y operetas tan populares como El murciélago (1874) y El barón gitano (1885). Fue Jacques Offenbach quien lo animó a que compusiese música teatral. Tuvo dificultades en su juventud, siendo apresado por las autoridades vienesas por tocar en público «La Marsellesa», que encendía sentimientos revolucionarios, pero luego fue ganando fama con sus composiciones y su propia orquesta, ganando gran popularidad, primero en Austria, Alemania y Polonia, y después en Gran Bretaña, Francia, Italia y Estados Unidos. Fue admirado por Wagner, Brahms y Richard Strauss, con quien, pese a su apellido, no tenía relación de parentesco. Su música es interpretada regularmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, tradición iniciada por el director de orquesta Clemens Krauss en 1939. Una música alegre y sonriente.
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Johann Strauss –Biografías y Vidas
Johann Strauss –Hofburg Orchester
El rey del vals, Johann Strauss –Johann Strauss Conzerte

viernes, 27 de junio de 2025

El carnaval de los animales, de Camille Saint-Saëns

Fuente: Valdemusica.blogspot.com

Camille Saint-Saëns (1835-1921) es visto como un músico academicista y serio, que prefiere las estructuras musicales clásicas y la perfección formal, que evita experimentaciones de vanguardia y hace pocos guiños a lo humoresco. Sin embargo, se le considera un eslabón de la música francesa que conduce a Claude Debussy y Maurice Ravel, aunque es sabido que aborrecía la música avanzada y para él difícil de entender de Debussy, compositor bastante más joven. Quizá por eso no quiso que su obra El carnaval de los animales (Le carnaval des animaux), suite en 14 movimientos, se publicara ni se interpretara en público durante su vida, por ser una broma musical, un divertimento alejado de las concepciones académicas, con la excepción del movimiento n.º 10, «El cisne», el más formal, que sí fue publicado e interpretado en vida del compositor. En conjunto, se trata de una “fantasía zoológica”, como la llamó el compositor, en la que desfilan el león, gallinas y gallos, asnos salvajes, tortugas*, el elefante**, canguros, peces, el cuco, fósiles***... y donde no falta la parodia de los humanos (pianistas).  
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*Suena el «can-can» de la operetta Orfeo en los infiernos de Jacques Offenbach.
**Suenan la «Danza de las sílfides» de La Condenación de Fausto de Berlioz y el «Scherzo» de El sueño de una noche de verano de Mendelssohn.
***Suenan la Danza macabra del propio compositor, canciones infantiles y el aria de «Una voce poco fa» de El barbero de Sevilla de Rossini.
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Para muchos críticos, El carnaval de los animales es la mejor obra de Saint-Saëns, y muchos melómanos la tienen como favorita entre sus numerosas composiciones.


Otras interpretaciones AQUÍ/AQUÍ/AQUÍ/AQUÍ
***
Otras destacadas composiciones de Saint-Saëns: Concierto para piano n.º 2 –de 5–, Sinfonía n.º 3 –de 5–, Danza macabra, poema sinfónico para violín y orquesta, Variaciones sobre un tema de Beethoven, para piano, y la ópera Sansón y Dalila.
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Grabaciones discográficas de obras de Saint-Saëns
Saint-Saëns. Discografía I, II, III, IV, V –Ángel Carrascosa
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Biografías
Charles Camille Saint-Saëns –Biografías y Vidas

Camille Saint-Saëns

viernes, 6 de junio de 2025

Sobre un concierto musical

Bosquejo de la invasión alemana de tierras checas


VIOLENCIA MUSICADA
[Percusión y cuerdas]

En tiempos de frivolidad,
escuchar el Doble concierto de Martinu (*)
nos retrotrae a una violencia bélica,
a un pasado de drama y de tragedia:
la invasión nazi de Checoslovaquia.
(Dos orquestas de cuerda, piano y timbales
narran escenas inquietantes.)
En tiempos de frivolidad ruidosa,
esa música reproduce otros lamentos
de dramas y tragedias similares,
el conflicto ruso-ucraniano, por ejemplo,
actual e intemporal al repetirse la fiereza.
En tiempos de frivolidad malsana,
seguimos esperando que la historia
se enderece. Y no hay manera de alcanzar
un equilibrio permanente
que de guerras nos libre y que la paz mantenga.
Escucho sin frivolidad en la ventana…

[2022, 17 dic.]
____
(*) Concierto para dos orquestas de cuerda, piano y timbales.

Doble concierto, Bohuslav Martinů
para dos orquesta de cuerda, piano y timbales

domingo, 18 de mayo de 2025

Juegos de agua


Poesía y música tienen al agua –natural o artificial– como protagonista. Así que la controlada artificialmente en los jardines también es agua poética y agua musical...


JUEGOS DE AGUA, Dulce María Loynaz

Los juegos de agua brillan a la luz de la luna
como si fueran largos collares de diamantes:
Los juegos de agua ríen en la sombra... Y se enlazan
y cruzan y cintilan dibujando radiantes
garabatos de estrellas...
                                    Hay que apretar el agua
para que suba fina y alta... Un temblor de espumas
la deshace en el aire; la vuelve a unir... desciende
luego, abriéndose en lentos abanicos de plumas...

Pero no irá muy lejos... Esta es agua sonámbula
que baila y que camina por el filo de un sueño,
transida de horizontes en fuga, de paisajes
que no existen... Soplada por un grifo pequeño.

¡Agua de siete velos desnudándote y nunca
desnuda! ¡Cuándo un chorro tendrás que rompa el broche
de mármol que te ciñe, y al fin por un instante
alcance a traspasar como espada, la Noche!
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–Poema del poemario Juegos de agua: versos del agua y del amor (1947).
[Poemas sobre la naturaleza: Poemas sobre los cuatro elementos]
–v. Dulce María Loynaz –Biografías y Vidas
–v. Poemas de DML [y AQUÍ]

Juegos de agua, Maurice Ravel
No se puede negar la filiación con «Al borde de una fuente» (primer libro de Años de peregrinaje) y los «Juegos de agua en la Villa d´Este» (tercer libro de "Años de peregrinaje") de Franz Liszt. También se podría considerar precursora de «Jardines bajo la lluvia», última pieza de las Estampes de Claude Debussy. 

lunes, 12 de mayo de 2025

Sobre la Música Española de los siglos XIX y XX


La música clásica española es un género que fusiona las ricas tradiciones folclóricas de España con elementos de la música académica europea.
Jorge del Valle
La influencia del primer Romanticismo en España fue prácticamente nula. La férrea censura instituida por Fernando VII impidió que llegara hasta España la música de Beethoven o Schubert. Aunque llegó la de los compositores más conservadores, sobre todo la de Rossini. La música española del XIX tuvo como base el estilo italiano, todavía cercano al Clasicismo, que se aprecia en la obra operística y sinfónica de Ramón Carnicer (1789-1855). (…) El primer grupo de compositores de zarzuela se crea en 1856 y estuvo integrado por Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894), Joaquín Gaztambide (1822-1870), Rafael Hernando (1822-1888), Cristóbal Oudrid (1825-1877) y José Inzenga (1828-1891). (…) Como autor de sinfonías, Pedro Miguel Marqués (1843-1918)* fue el más conocido. (..) Los primeros que dan a conocer en todo el mundo los elementos de la música española son compositores extranjeros, como Glinka, Ravel, Liszt o Rimsky-Korsakov, que encuentran en España una rica fuente de inspiración. Consciente del movimiento renovador que se vive en estos años en toda Europa, el musicólogo, folklorista y compositor español Felipe Pedrell** contribuye con sus estudios a superar el pintoresquismo costumbrista de autores como Barbieri, Chapí y Bretón. Entre los compositores españoles más destacados de la nueva tendencia nacionalista se encuentran Isaac Albéniz (1860-1909) y Enrique Granados (1867-1916), que recogen en sus obras las características rítmicas, melódicas y armónicas más esenciales del país. La madurez de la música nacionalista española llega ya en el siglo XX con Manuel de Falla (1876-1946).*** 
«Música Española en los siglos XIX y XX», Érika Montoya 
____ 
*Pedro Miguel Marqués, autor de la conocida zarzuela El anillo de hierro, compuso 5 sinfonías. [Pueden escucharse AQUÍ]
**Felipe Pedrell (1841-1922), musicólogo y compositor, primer músico que estudió la música folclórica española, autor de Por nuestra música (1897). 
***Y Joaquín Turina (1882-1949) algo después.
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Para sonorizar esta entrada de sabor musical español, valga de manera genérica la Rapsodia española de Liszt, basada en temas populares españoles.

Rapsodia española – Franz Liszt

sábado, 19 de abril de 2025

Pie Jesu



PIE JESU
(Dona eis requiem)

¡Escucha Jesús
nuestro hondo ruego ante
la muerte!

Dales el descanso
perpetuo a quienes 
nunca lo han tenido. 
Pocos en el mundo 
tienen gozo y paz
constantes. 

Haz que quienes sufren 
hallen en Tu Gloria 
el reposo eterno. 
Tras dolor y llanto, 
Tu Misericordia
merecen.

¡Escucha, Señor, 
la postrera súplica!
Amén.

[2024, 15 nov.]
____
Pie Jesu (Piadoso Jesús) es el final del himno Dies irae y forma parte de alguna Misa de Réquiem, como motete. El texto está en latín, breve y profundo, pero en nuestro poema intentamos recoger su mensaje, ampliado, con versos en castellano. Apropiado para el Día de Difuntos (2 de noviembre), lo editamos ahora como piadosa contribución, aunque no corresponda a la Semana Santa en la que estamos.

«Pie Jesu» del Requiem de Gabriel Fauré
Pie Jesu, Domine, dona eis requiem.
...sempiternam requiem.
Piadoso Jesús, Señor, dales el descanso.
...el descanso eterno.

sábado, 29 de marzo de 2025

Jurowski dirige Shostakovich

Vladimir Jurowski

El director de orquesta Vladimir Jurowski (1972), dice en una entrevista en la que habla de arte y política: «No podemos cerrar los ojos ante la relación entre las artes y la política». Quien la lea completa tal vez quede admirando de las inteligentes respuestas que da este joven director, que otros músicos eluden. Respecto a su faceta artística, he escuchado varias interpretaciones suyas al frente de diferentes orquestas y me ha impresionado gratamente por su precisa dirección, sin innecesarios aspavientos ni efectismos de cara a la galería. Y traigo al blog una interpretación de la Sinfonía n.º 8 de Dmitri Shostakovich, considerada por algunos de los admiradores de este compositor como la mejor de sus 15 sinfonías; por cierto, un creador artístico muy condicionado por la política soviética. La dirección de Vladimir Jurowski parece hacerle justicia a esta obra oscura.

***
Apunte sobre Dmitri Shostakovich (1906-1975) 
Compositor soviético cuya producción abarca todos los géneros musicales, desde la música de cámara a la ópera, pasando por la música sinfónica y la música de cine, siendo además muy prolífico. El más representativo de la desparecida Unión Soviética junto a Sergei Prokofiev, pero su carrera, como la de éste, no fue fácil bajo el régimen de un estado dominante y controlador de las artes. Tampoco fueron fáciles sus inicios formativos, a pesar de haber nacido en el seno de una familia culta; su madre, pianista profesional, le dio las primeras lecciones musicales, pero quedó huérfano de padre siendo adolescente y hubo de tocar en salas de cine como pianista para mantener a los suyos. En el Conservatorio de Leningrado, tuvo como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Ya como compositor reconocido, las críticas del diario Pravda, publicación del Partido Comunista, bajo el mando de Stalin, podía suponer tanto un espaldarazo como un revés a la publicación o difusión de sus composiciones. Tanto era laureado con los Premios del Estado y Lenin y la distinción de Artista del Pueblo, como condenado por el mismo régimen, que calificaba su música de antipopular o excesivamente moderna, lo cual dejó su huella en el estilo de sus últimas composiciones, de tono amargo y sombrío, y una crudeza que contrasta con la jovialidad y desenfadado de las primeras. 

Tras un periodo inicial de vanguardismo musical, el estilo de Shostakóvich derivó hacia un romanticismo musical tardío, con influencia de Mahler combinada con la tradición musical rusa (Mussorgski y Stravinski como referentes), creando un estilo muy personal que evolucionó incluso en algunas obras hacia la atonalidad. Su música tiene contrastes y elementos grotescos, con un componente rítmico muy destacado. Muchos críticos lo consideran el compositor más destacado del siglo XX.

De sus obras, ya sorprendió su Sinfonía n.º 1, escrita para su graduación en el conservatorio. La ópera La nariz y el ballet La edad de oro, confirmaron su talento. Tras revés crítico –no en cambio del público– de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk, calificada de caótica (contraria a la ‘‘música socialista’’: clara y asequible), fue aplaudido por la Sinfonía n.º 5 y, sobre todo, por la patriótica Sinfonía n.º 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo soviético contra el invasor nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la muerte de Stalin, en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, con partituras presididas en torno a la idea de la muerte, caso de sus tres últimas sinfonías (13, 14 y 15)* y sus cuartetos de cuerda, con los que expresaba sus miedos y preocupaciones. 
____
*Consideradas geniales por un crítico, junto a las sinfonías 4 y 8. 
–Aunque he hallado dos artículos que clasifican las 15 sinfonías por orden creciente de calidad de diferente modo (resaltamos el top 3 de cada una):
A: 6, 12, 3, 11, 2, 1, 14, 13, 4, 8, 9, 7, 15, 10, 5.
B: 3, 2, 14, 9, 12, 1, 6, 8, 13, 10, 7, 11, 15, 5, 4.
____
Dmitri Shostakovich –Biografías y Vidas
—Grabaciones discográficas
Dimitri Shostakovich: Discografía (Sinfonías 4-10) –A. Carrascosa
Dimitri Shostakovich: Discografía (Sinfonías 11-15) –A. Carrascosa

martes, 11 de marzo de 2025

Prokofiev, el compositor de Romeo y Julieta


Serguéi Prokófiev (1891-1953), compositor ucraniano/soviético, figura relevante de la música del siglo XX, estudió en el Conservatorio de San Petersburgo con Reingold Glier, Nikolái Rimski-Kórsakov y Anatoli Liadov, y el día de su graduación interpretó una obra propia: el Concierto para piano n.º 1 (1911). De 1918 a 1933 vivió fuera de su páis, realizando giras como pianista, interpretando sus propias creaciones, por Europa y Estados Unidos, y se estableció en París durante diez años, donde trabajó para los ballets rusos de Diaguilev. En 1934 regresó a la Unión Soviética, donde fue reconocido, pese a algunas disputas con las autoridades, por su música intelectual y disonante. Pero sus estridencias iniciales, como las de la Suite escrita para orquesta (1914), dieron paso a una música melódica, de armonías singulares y ritmos vivaces, cuya culminación es el ballet Romeo y Julieta (1936). Y además de las piezas señaladas, compuso otras obras de interés en diferentes formas musicales: 7 Sinfonías (a destacar las número 1 «Clásica», 3, 4 y 5), 5 Conciertos para piano (a destacar el n.º 3), 2 Conciertos para violín,  el ballet Cinderella, la suite orquestal El teniente Kijé (1933), el cuento orquestado –con narrador– para niños Pedro y el lobo,  9 Sonatas para piano (a destacar las números 6, 7 y 8), 2 Sonatas para violín y piano, la ópera El amor de las tres naranjas y la cantata Alejandro Nevski (1938, para la película del director soviético Serguéi Eisenstein). Un logro teniendo en cuenta la presión que ejercían las autoridades soviéticas sobre los creadores artísticos.

Hechos relevantes o curiosos. 

Su Primera sinfonía «Clásica» la concluyó en septiembre de 1917, casi víspera de la Revolución Rusa de octubre, y tras su estreno, en 1918, fue llamado por el primer comisario de Instrucción Popular de la recién nacida república soviética, quien consideró al compositor un revolucionario de la música, como él lo era de la vida, y lo instó a trabajar juntos, pero al poco tiempo Prokofiev abandonó el país, a través de Vladivostok, rumbo a Tokio y, finalmente, San Francisco; residió en EE.UU. y, seguidamente, en Alemania y Francia, no regresando a su patria hasta 1932. 

En 1923, Prokofiev se casó en Alemania con la soprano española Lina Lluvera; tuvieron dos hijos. En el verano de 1938, ya de vuelta en Rusia, el matrimonio tomó vacaciones por separado, siguiendo la costumbre, y Serguéi se alojó en una localidad montañosa donde conoció a Mira Mendelson, estudiante de literatura de la que se enamoró y con la que llegaría a casarse formalmente en 1948, el mismo año en que el Politburó condenó la música formalista, en la que se incluía a Prokofiev, mientras Lina era acusada de espionaje y condenada a trabajar veinte años en un campo de régimen severo, no llegando a ser liberada hasta 1956.

El compositor falleció en Moscú el mismo día que Stalin: 5 de marzo de 1953. Su muerte fue repentina, al parecer por una hemorragia cerebral, a los 61 años. 
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Serguéi Prokófiev –Biografías y Vidas

Romeo y Julieta: Suite 2

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Enlaces relacionados
—Composiciones de Prokofiev
—Grabaciones discográficas
Discografía de Prokofiev (III) –Ángel Carrascosa

Fuente

viernes, 7 de febrero de 2025

A la memoria de un ángel

Fuente

El Concierto para violín de Alban Berg, conocido como «A la memoria de un ángel», resultó de un encargo del violinista Louis Krasner a este compositor dodecafónico. Krasner quería una obra lírica, que ayudase al público a comprender que la música dodecafónica no era cerebral o matemática, y eligió a Berg por ser el músico más lírico de los tres músicos más importantes que seguían el método compositivo llamado dodecafonismo (los otros dos eran Arnold Schönberg y Anton Webern). Poco después del encargo, una hija de Alma Mahler llamada Manon Gropius, a la que Berg estaba muy unido desde que naciera, contrajo la poliomielitis, justo cuando ella iba a interpretar el papel de primer ángel en la obra El gran teatro del mundo, de Calderón de la Barca. Poco después, en abril de 1935, Manon falleció, y Berg, muy afectado, compuso el Concierto para violín pensando en ella, intentando que reflejase su personalidad, así como su sufrimiento, muerte y transfiguración (al modo de Muerte y transfiguración de Richard Strauss, la única obra de este compositor que Berg apreciaba). Curiosamente, Alban Berg falleció en diciembre de ese mismo año que Manón, a causa de una septicemia –v. abajo. 

El estreno del concierto se produjo unos meses después de la muerte del compositor, el 19 de abril de 1936, en el Festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea, celebrado en el Palacio de la Música Catalana de Barcelona, con Hermann Scherchenen como director y Louis Krasner como solista. En el violín resonaba el espíritu de Manón y el alma de Berg...


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Apunte sobre Alban Berg (1885-1935)
Compositor austriaco, alumno de Arnold Schönberg y perteneciente a la Segunda Escuela de Viena*, Incursionó como ellos en la atonalidad y, luego, en el dodecafonismo**, creado por  Schönberg. Berg utilizó el sistema dodecafónico de una forma particular, combinándolo con formas y técnicas musicales de los siglos anteriores. Sus primeras obras muestran la influencia de Richard Wagner y Gustav Mahler. Entre sus composiciones principales están la ópera Wozzeck, ejemplo de ópera expresionista, cuya atonalidad característica se refuerza con progresiones armónicas tonales; Lulu, su segunda ópera, también de carácter expresionista de la primera y con uso del sistema dodecafónico, en el que cada personaje posee su propia serie de tonos; el Concierto para violín «A la memoria de un ángel», su última obra, con su particular serie de doce tonos y una referencia al final de la melodía coral de la Cantata n.º 60 de Johann Sebastian Bach. 
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*Integrada por Arnold Schoenberg –su líder–, Alban Berg y Anton Webern (la tríada vienesa). [La Primera Escuela de Viena fue la constituida por Franz Josef Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.]
**Dodecafonismo o sistema dodecafónico: método de composición musical atonal en el que se utiliza sistemáticamente las doce notas de la escala cromática.
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Alban Berg, morir por una picadura infectada. La causa de su muerte fue la picadura de un insecto en la espalda, probablemente de una abeja o una avispa, que se sobreinfectó y dio lugar a un ántrax con importante supuración. Al parecer, para drenar el absceso de pus su esposa le practicó una incisión con unas tijeras caseras, no esterilizadas, lo que prococó septicemia (infección generalizada de todo el organismo). Ya en un hospital, no pudieron hacer nada por salvar su vida, y murió el día de Nochebuena por paro cardíaco motivado por la sepsis, a los 50 años.
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Alban Berg –Wiki
Alban Berg –Biografías y Vidas
Alban Berg –Juan José Olives
Alban Berg: Discografía (y II) –Angel Carrascosa

Alban Berg

miércoles, 1 de enero de 2025

Concierto de Año Nuevo en Viena

The 2025 New Year's Concert was held at the Golden Hall of the Vienna Musikverein, broadcast to over 90 countries, and watched by millions of viewers worldwide. 

domingo, 1 de diciembre de 2024

Valentina Lisitsa, pianista perseverante

Valentina Lisitsa

Valentina Lisitsa (1970), pianista ucraniana.
[Extractos wikipédicos]

Esta gran pianista cuenta con un gran mecanismo interpretativo y un estilo melódico perfectamente adaptado a su repertorio. “Los llamados problemas técnicos sólo son una función psicológica. Algo que el cuerpo tiene la capacidad de hacer, algo como la habilidad para caminar. Nunca les presto atención a estos inconvenientes porque siempre son problemas de interpretación y la solución está en resolver primero las inquietudes musicales”, dijo a la revista Pianist. En una entrevista para Musical Toronto, señaló: “No me gusta construir un repertorio cronológico o sencillo. Me gusta tener una evolución emocional. Yo no actúo para entretener al público, sino para hacerlo sufrir. No me gusta cuando las personas aplauden después de una pieza musical trágica. Para mí la música no es para entretener, por eso cuando llegué a Estados Unidos me sorprendió que la música clásica se incluyera en la sección de entretenimiento. Yo no quiero ser un entretenimiento”. Desde 2008 los vídeos de sus interpretaciones han tenido un gran seguimiento debido a la claridad de exposición de las obras, a su virtuosismo extraordinario y a una pureza estilística que la coloca a la altura de las mejores interpretaciones disponibles de las obras.
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Ver:

Beethoven: Allegretto de Sonata para piano n.º 17 «Tempestad»

(Una historia de perseverancia)
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Grandes pianistas del siglo XX
Aprovechamos esta entrada sobre una intérprete del piano para enlazar un artículo sobre grandes pianistas: «10 pianistas que marcaron el siglo XX».
  1. Josef Hofmann
  2. Sergei Rachmaninoff 
  3. Alfred Cortot
  4. Artur Schnabel
  5. Arthur Rubinstein
  6. Vladimir Horowitz
  7. Sviatoslav Richter
  8. Arturo Benedetti Michelangeli
  9. Emil Gilels
  10. Claudio Arrau
Hay otros muchos pianistas que desarrollaron su carrera el siglo pasado dignos de tener en cuenta. Y en el XXI también los hay muy buenos, como Valentina Lisitsa.