El golpe fue sonoro. Yo conducía solo en la oscura madrugada y no vi a la persona que cruzaba la carretera. Pero escuché sus gritos y su cuerpo rodar por el barranco a cuyo borde mi auto eléctrico se detuvo, tras impactar contra un árbol. No estaba herido, y el daño material poco importaba. Lo trascendente era la muerte segura de aquel ser, hombre o mujer. Pensé en mi padre, quien por mi graduación quiso regalarme el coche siniestrado, el último año que se permitían vehículos de combustión (no había alternativa). Reparé en mi hermano abogado: ¿cómo podría evitar que fuese a la cárcel por homicidio involuntario? E imaginé a la familia del desafortunado... ¡Ah!, tenía dos problemas, uno familiar y otro legal. Llamé a mi hermano abogado y vino hasta el lugar. Juntos exploramos el barranco, cuando ya amanecía. Y al fin hallamos el cuerpo atropellado: un oso pardo.
El estreno de esta sinfonía, en 1787 en París, fue dirigido por el músico mulato Joseph Boulogne, conocido como Chevalier de Saint-Georges.
Es el final de la sinfonía el que le dio el subtítulo ‘‘El oso’’, porque el bajo zumbante y la atmósfera de carnaval campestre sugerían osos bailarines a los franceses.
Camille Saint-Saëns (1835-1921) es visto como un músico academicista y serio, que prefiere las estructuras musicales clásicas y la perfección formal, que evita experimentaciones de vanguardia y hace pocos guiños a lo humoresco. Sin embargo, se le considera un eslabón de la música francesa que conduce a Claude Debussy y Maurice Ravel, aunque es sabido que aborrecía la música avanzada y para él difícil de entender de Debussy, compositor bastante más joven. Quizá por eso no quiso que su obra El carnaval de los animales (Le carnaval des animaux), suite en 14 movimientos, se publicara ni se interpretara en público durante su vida, por ser una broma musical, un divertimento alejado de las concepciones académicas, con la excepción del movimiento n.º 10, «El cisne», el más formal, que sí fue publicado e interpretado en vida del compositor. En conjunto, se trata de una “fantasía zoológica”, como la llamó el compositor, en la que desfilan el león, gallinas y gallos, asnos salvajes, tortugas*, el elefante**, canguros, peces, el cuco, fósiles***... y donde no falta la parodia de los humanos (pianistas).
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*Suena el «can-can» de la operetta Orfeo en los infiernos de Jacques Offenbach.
**Suenan la «Danza de las sílfides» de La Condenación de Fausto de Berlioz y el «Scherzo» de El sueño de una noche de verano de Mendelssohn.
***Suenan la Danza macabra del propio compositor, canciones infantiles y el aria de «Una voce poco fa» de El barbero de Sevilla de Rossini.
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Para muchos críticos, El carnaval de los animales es la mejor obra de Saint-Saëns, y muchos melómanos la tienen como favorita entre sus numerosas composiciones.
Otras destacadas composiciones de Saint-Saëns: Concierto para piano n.º 2 –de 5–, Sinfonía n.º 3 –de 5–, Danza macabra, poema sinfónico para violín y orquesta, Variaciones sobre un tema de Beethoven, para piano, y la ópera Sansón y Dalila.
El aria ‘‘Agitata da due venti’’ (Sacudida de dos vientos), de Adelaida/Griselda, óperas de Antonio Vivaldi, tiene su explicación de figurar en dos obras distintas, porque en la ópera seria era común reutilizar algún aria exitosa de una ópera en otra posterior. De modo que tras el éxito de este aria virtuosista, estrenada en la ópera Adelaida, fue incluida también en la ópera Griselda.
Agitata da due venti
freme l'onda in mar turbato,
e 'l nocchiero spaventato
già s'aspetta a naufragar...
Dal dovere da l'amore
combattuto questo core,
non resiste e par che ceda
e incominci a desperar...
Sacudida por dos vientos
la ola tiembla en mar revuelto,
y el timonel asustado
espera ya naufragar...
Por el deber del amor
con el corazón combate,
no resiste y va a ceder
y empieza a desesperarse...
«Agitata da due venti» (de ópera Griselda), Antonio Vivaldi
Tras casi 39 años de vida laboral en el Servicio Andaluz de Salud, he colgado la bata y el fonendo y he pasado a una existencia más gozosa, más íntima, más personal, más “jubilosa”. Lo llaman jubilación, pero uno nunca se jubila de ser médico: uno es médico para siempre; aunque, bien es verdad, inevitablemente, los conocimientos y las habilidades sanitarias se oxidarán y anquilosarán muy pronto.
Mis prioridades, a partir de hoy, serán mi mujer, mis nietos, mis libros, mis amigos, mis lectores y mi huerto. De hecho, la jubilación que imaginé hace tan sólo unos años en la Axarquía malagueña la plasmé en un bonito poema que paso ahora a recordar. Se titula “Mi vejez”, y dice así:
Cuando regrese a mi terruño a contemplar las nubes, pocas cosas querré para pasar el tiempo:
Un espejo donde cuente mis arrugas; un bancal para plantar mi huerto; una hamaca que mire a la Tejea; un libro, siempre a mano, para alimentar mis sueños.
Un gallo que me alegre las mañanas; un papel para anotar recuerdos; una alberca donde refrescar las tardes; dos gallinas pizpiretas que me pongan huevos.
Un amigo con quien filosofar de nuestras cosas; un catalejo para ver el cielo; un tomate tempranero de mis matas; hinojos y aceitunas en invierno.
Tres paisanos para jugar al tute; una mesa redonda y un brasero; un gastado dominó con que matar las horas y un leño en el hogar, ardiendo.
Un jazmín que perfume mis sentidos; una dama de noche y un dompedro; el agua de la lluvia en mi ventana; la nieve de la sierra y el ulular del viento.
Un naranjo a la vera de mi casa; un botijo, una parra y un sombrero; un racimo de uvas moscateles; un perrillo juguetón y un limonero.
El esquilón de la ermita anunciando la novena; las cabras resonando sus cencerros; el silencio solemne de la noche; las callejas empedradas de mi pueblo.
Mi esposa y yo cogidos de la mano; mis hijos y mis nietos, no muy lejos; un buen vaso de vino en la bodega y un pequeño bastón donde apoyar mi cuerpo.
Firmado:
Juan Manuel Jimenez Muñoz.
Médico y escritor malagueño.
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Al autor de este emotivo escrito le respondí con estas palabras: Uno nunca deja de ser médico, pero es un gozo deprenderse de un deber profesional cada día más insatisfactorio y agobiante. Permanece el amor a la medicina, desaparece la pesadilla de la burocracia inacabable... ¡Suerte en tu nueva aventura existencial!
En mi jubilación escribí: Y aunque el retiro deje un poso de tristeza, hoy me dejo llevar por su significado de alegría. («Despedida profesional»)
Haydn: Sinfonía n.º 45 «Despedida o Los adioses» – IV. Finale. Presto-Adagio
El Adagio final de la Sinfonía n.º 45 de Haydn, o Sinfonía de los adioses, incluye una curiosidad: varios músicos tienen solos pequeños justo antes de marcharse, y los músicos van saliendo de la orquesta por este orden: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
La mayor confusión con el uso de mascarillas sanitarias la hemos visto en las orquestas sinfónicas con solistas vocales y coros. Instrumentistas con mascarilla, excepto los de viento (o usando un tipo especial con ‘abertura bucal’), cantantes solistas sin mascarilla y coralistas con ella puesta. ¡Diversidad mascarillil! Y todos los músicos sin mantener la distancia de seguridad preceptiva. Una disposición sonora sin una clara evidencia científica, un esperpéntico desconcierto...
Ejemplo 1
W. A. MOZART: REQUIEM (coro con mascarillas)
Ejemplo 2
Topeka Symphony opens new season with all musicians wearing masks
En España, y tras varios titubeos, el 20 de mayo de 2020, se optó por la obligatoriedad de las mascarillas en todos los espacios públicos cerrados y cuando no fuera posible mantener una distancia de seguridad de dos metros. Esta normativa se vio endurecida a lo largo del mes de julio, cuando su obligatoriedad se extendió a los espacios públicos al aire libre (con contadas excepciones como la práctica del deporte). Sin embargo, en otros países de nuestro entorno como Suecia o Noruega, las autoridades se limitaron a informar y recomendar el uso de mascarillas en aquellas situaciones en que la transmisión aérea fuera probable, como las visitas a hospitales.
«La imposición general de la mascarilla para frenar contagios no ha demostrado en el pasado ser muy efectiva (otra cosa es hacer un uso responsable). Para lo que sí es muy efectiva la mascarilla es para generar crispación y ruido, que yo creo que es el objetivo real de la medida», señala José Luis Gómez Rial, jefe del servicio de Inmunología del Hospital Clínico Santiago de Compostela.
Conocemos a Franz Schubert (1797-1828) por sus Lieder, su música para piano (sonatas, impromptus, momentos musicales, Fantasía del caminante) y de cámara (Quinteto ‘‘La trucha’’, Cuarteto n.º 14 ‘‘La muerte y la doncella’’, Octeto), incluso por algunas sinfonías (sobre todo, Sinfonía n.º 5, Sinfonía n.º 8 ‘‘Inacabada’’ y Sinfonía n.º 9 ‘‘La Grande’’), pero poco o casi nada sabemos de su música escénica.
De sus obras escénicas, en número importante [v. «Composiciones de Franz Schubert», al final], lo más conocido es la música incidental de Rosamunda. Menos exitoso fue Schubert en la ópera (y en los Singspiel), pero dos de sus once óperas nos llaman la intención: una por el nombre, Fierrabras y otra por estar ambientada en España, Alfonso y Estrella, suponiendo ambas un intento del compositor por escribir gran ópera romántica en alemán y superar el Singspiel.
De Rosamunda(Rosamunde,1823), música escénica para la obra homónima de la escritora Helmina von Chézy, leemos que fue un fracaso y sólo se representó durante dos días. Después desapareció la partitura y se encontró en 1861. Se pensó que el libreto se había perdido, pero se ha conservado (modificado por una edición posterior del autor) en la Biblioteca Estatal de Stuttgart, y se publicó en 1996. Rosamunda, princesa de Chipre*, está destinada a tomar el poder a la edad de dieciocho años, habiendo sido previamente criada de incógnito como pastora por la viuda del marinero Axa. El gobernador Fulgencio (nueva versión: Fulvio), que lleva tanto tiempo en el cargo tras matar a los padres de Rosamunde, intenta frustrar su reinado, primero con intrigas, luego con una propuesta de matrimonio y finalmente con un intento de envenenamiento. Pero Rosamunda, legitimada por un documento de mano de su padre, recibe un amplio apoyo de los chipriotas y del príncipe cretense Alfonso, su futuro novio. Finalmente, Fulgencio (Fulvio) muere por su propio veneno. Y Rosamunde asciende al trono.
La ópera Fierrabras (1823) está inspirada en el caballero sarraceno Fierabrás, personaje que aparece en las leyendas del ciclo carolingio, hijo del almirante Balán, rey de Al-Ándalus, y que acabó militando en el ejército de Carlomagno. El argumento gira en torno a su conversión al cristianismo y a la relación amorosa entre su hermana y Guy de Borgoña, paladín de Carlomagno.
Fierrabras: Overture – Schubert
La ópera Alfonso y Estrella (Alfonso und Estrella, 1821/1822), estrenada en Weimar el 24 de junio de 1854, está ambientada en la época de la Reconquista, alrededor del año 790 en Oviedo, la sede real del Reino de Asturias, al que se hace referencia con el nombre históricamente posterior de León, y en una sierra cercana. El anciano rey Fruela fue desterrado después de que Mauregato* y su general Adolfo lo destronaran. Adolfo se enamora de Estrella, la hija de Mauregato, el nuevo gobernante. [En este punto tomamos otra fuente argumental, que reproducimos.] Pero Mauregato dice que sólo el hombre que posea la «Cadena de Eurico» podrá casarse con Estrella. Y Adolfo, furioso, planea una revuelta contra Mauregato... Durante una expedición de caza, Estrella se separa de la partida, se encuentra con Alfonso –hijo de Fruela– y se enamoran, sin saber cada uno la identidad del otro. Alfonso le da a Estrella un collar que siempre ha llevado consigo, y le señala un camino seguro a su hogar. De regreso en la corte, ella cuenta la historia, y Mauregato reconoce el collar como la «Cadena de Eurico». Antes de que pueda decirle lo que significa, comienza la rebelión dirigida por Adolfo, quien captura a Estrella. Alfonso descubre que Estrella es la hija de Mauregato, y se pone al lado de éste contra los rebeldes. Las tropas de Mauregato vencen a Adolfo, y Alfonso rescata a Estrella. Pero Mauregato tiene remordimientos de conciencia y restaura a Fruela en su trono. A cambio Fruela abdica en Alfonso** y Estrella. [Libreto traducido al castellano AQUÍ. Comentario AQUÍ.]
Schubert completó 11 óperas y trabajó en otras, dejándolas inacabadas. Algunas de sus óperas tuvieron un éxito moderado, como Die Zauberharfe (El arpa mágica), pero la gran mayoría, si no todas, las obras escénicas de Schubert no han resistido la prueba del tiempo como sus sinfonías, canciones y piezas para piano.
Schubertiada
El término Schubertiada (Schubertiade) se refería inicialmente a las reuniones privadas de Franz Schubert con sus amigos, en sus últimos años, desde 1821. Hoy, la schubertiada es el festival más prestigioso del mundo dedicado a Schubert, con el fin de reivindicar su nombre junto a los de Mozart y Beethoven, y también el nombre de cualquier celebración musical inspirada en su música.
El año 2022 finaliza y hoy es noche de celebración; no es fiesta para todos, por supuesto, pero como todos los años soñamos con una paloma blanca. Y este símbolo de paz lo agrandamos con la música y la poesía de un himno internacional. Nos referimos al Himno de las Naciones Unidas (Hymn to the United Nations), conocido como «Himno de la paz», con letra del poeta W. H. Auden y música de Pau Casals. Fue estrenado el 24 de octubre de 1971, por la Orquesta del Festival Casals dirigida por el propio Casals. Vale la pena escucharlo.
Caja de música. Instrumento musical mecánico que evolucionó
a partir de los carillons à musique del siglo XVIII.
Leí en algún sitio, hace mucho tiempo, que Tchaikovsky se había prendido de niño a la música al escuchar una melodía de Mozart –creo que un aria de Don Giovanni– en una cajita de música que le habían regalado. Y el compositor ruso confesaba que su amor por Mozart crecía cuanto más envejecía; no en vano su Suite n.º 4 lleva el título de «mozartiana». Decía también que se postraba ante el gran Beethoven, pero que no lo amaba; su admiración intelectual no iba pareja con su sentir emocional.
He buscado la confirmación de mi recuerdo lector y no lo he conseguido. Pero sí he hallado una caja de música con una melodía tchaikovskiana.
Ludwig van Beethoven fue el primer gran compositor de la historia con un metrónomo. Johann N. Maelzel, el creador de este aparato, le regaló uno de los primeros que hizo. Al compositor le entusiasmó hasta la obsesión y se embarcó en la labor de revisar buena parte de sus obras para incluir su tempo: la cifra que marca a qué velocidad hay que tocar, según las indicaciones del nuevo instrumento, el metrónomo. Hasta entonces, los compositores daban indicaciones aproximadas (como allegro o andante) pero ahora tenía una herramienta de precisión. Gracias al invento de Maelzel, Beethoven pudo fijar para siempre cómo quería que sonasen sus obras. El problema llega con el paso de los años y la imposibilidad de poder interpretarlos bajo las indicaciones que dio el maestro... [El enigma del metrónomo de Beethoven]
Cuando todo parecía calma blanca, comenzó a agitarse el gélido ambiente. Entonces, las sensaciones mudaron y la mente trató de proteger el cuerpo y protegerse a sí misma. No valían malos pensamientos ni anclarse en negros augurios. Convenía adaptarse sabiamente a la ventosa situación...
Estudio Op. 25 n.º 11 'Viento de invierno', Chopin
Los primeros cuatro compases de este estudio chopiniano, cuya lentitud contrasta con la tormenta de notas que sigue, se agregaron antes de su publicación por consejo de Charles A. Hoffmann, un amigo del compositor. [Análisis AQUÍ]
El aplauso es una expresión de aprobación mediante palmadas. Los espectadores de una función, de un espectáculo público, suelen aplaudir cuando finaliza. También al comienzo, como señal de educado recibimiento. A veces el aplauso sincronizado se convierte en música, en música celestial sobre todo para quienes lo reciben. Y a menudo los protagonistas también aplauden, al público o a otros compañeros de actuación, en señal de reconocimiento o afecto.
No es raro el aplauso disonante, cuando alguno o algunos escuchantes creen erróneamente que ha finalizado una obra musical. También es cierto que ahora los aplausos son más generosos; antes, los espectadores los reservaban para quienes consideraban que eran merecedores de ellos, manifestando su satisfacción con mayor o menor efusividad, discretamente o con ganas, según el caso; y se los negaban a otros en los que no veían merecimiento (incluso, si se sentían muy defraudados, llegaban a lanzar tomates podridos al escenario en señal de protesta).
Pero lo que siempre me ha llamado la atención es el aplauso intramusical. Es habitual que en los conciertos de jazz el público aplauda durante la interpretación de una pieza. En ocasiones me disgusta, pues impide escuchar con atención y quizá haga perder la concentración de los músicos. Sobre esto, dicen AQUÍ que es un mito; en el mismo lugar donde diferencian aplauso ritual de aplauso sincero.
Desde los intemporales aplausos musicales (fruto del placer de la melódica escucha) vayamos ahora a los recientes aplausos sanitarios, coyunturales, consecuencia del temor a una enfermedad acechante, a un riesgo inminente.
Desde el comienzo de la pandemia de COVID-19, los ciudadanos de todo el mundo expresaron su agradecimiento a los profesionales sanitarios mediante un aplauso diario («Aplauso por los trabajadores de la salud»). Suponía un estímulo para éstos. Pasado un tiempo, superado el miedo inicial, se pasó de los aplausos se pasó a los insultos. Entonces, ¿se trataba de un aplauso ritual y no sincero?
Saque cada cual su conclusión...
Y deseando que la sinceridad se imponga al fingimiento, finalizamos con una actuación musical en la que hay aplausos iniciales y finales.
Mr. Bojangles – Sammy Davis Jr - (Live in Germany 1985)
El aplauso del pueblo es generalmente falso y sigue más bien a los hombres vanos que a las personas virtuosas. Francis Bacon
Envejece la fama y caduca el aplauso, así como todo lo demás, porque las leyes del tiempo no conocen excepción. Baltasar Gracián
Cuando se han merecido los aplausos no ha de ser difícil pasar sin ellos. Concepción Arenal
Los grandes parlanchines suelen ser espíritus refinadamente egoístas, que buscan nuestro trato, no para estrechar lazos sentimentales, sino para hacerse admirar y aplaudir. Santiago Ramón y Cajal
Al final, el aplauso no es un bravo a los intérpretes, sino un gracias al compositor y al genio de la música. Carlo Maria Giulini
La expresión cólico miserere se usó desde el siglo XVII hasta fines del siglo XVIII para denominar primero un cuadro abdominal agudo compatible, hoy día, con una obstrucción intestinal, de distintas y desconocidas causas y que irremediablemente llevaba al enfermo a la muerte. También se usó para denominar a la apendicitis aguda, la que muchas veces se perforaba, provocaba la peritonitis y la muerte. La mayoría de las veces ambas enfermedades se confundían y el diagnóstico se aclaraba, a veces sólo con la autopsia, procedimiento que se utilizó en forma sistemática desde la misma época, siglos XVII-XVIII. Es comprensible la confusión diagnóstica entre la obstrucción intestinal y la apendicitis aguda, y probablemente otros cuadros de dolor abdominal agudo, de otra etiología.
El cólico miserere se describía como un dolor abdominal muy intenso, vómitos fecaloideos y muerte. La aparición de estas manifestaciones, junto al rápido e inevitable fallecimiento del enfermo, hacía que los vecinos y conocidos del enfermo se reunieran a su alrededor a cantar el Miserere para pedir piedad a Dios, como una plegaria para la curación del paciente. Dicho canto era también característico en las misas de difuntos, de manera que se establecía una rápida relación entre la aparición de la enfermedad, la muerte y los actos religiosos del sepelio.
La palabra Miserere es un latinismo que significa apiádate, ten piedad, y el canto del Miserere, también llamado Miserere mei Deus («Oh Señor, ten piedad de mí»), resultó de una obra coral de Gregorio Allegri compuesta en 1630, a solicitud del Papa Urbano VIII. En un ambiente de estricto secreto, se mantuvo oculta, bajo pena de excomunión, para su uso exclusivo en Semana Santa, hasta aparentemente 1770, año en que el secreto fue vulnerado por Mozart, quien lo retuvo en su mente genial después de haberlo escuchado en una visita al Vaticano.
El mejor modo de vengar la injuria es no parecerse al que la infirió.
Marco Aurelio
Cuando nos paramos a contemplar las encomiendas profesionales, en número creciente a lo largo de los años, y los objetivos, que van haciéndose más difíciles de alcanzar, observamos un continuo desafío, una puesta a prueba cada vez mayor de las capacidades y de la resistencia, y al mismo tiempo una clara vejación. Con impuestos desafíos y ruines vejaciones, vamos resistiendo a duras penas.
Y al reparar en la obra musical Vexations (Vejaciones) de Erik Satie, hallamos una pieza interminable, con sus 840 repeticiones, que hace pensar a los analistas en una burla y/o un desafío al intérprete. También en otras interpretaciones: autoflagelación, melancolía, amoroso dolor. Pero continuarán los interrogantes sobre este singular compositor, admirado por otros músicos y artistas.
Hay tres cosas difíciles: guardar un secreto, soportar un agravio y emplear bien el ocio. (Quilón de Esparta)
Que se nos haga un agravio no significa nada, a menos que insistamos en recordarlo. (Confucio)
El agravio comparativo* es una injusticia frecuente.
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*Agravio comparativo: trato discriminatorio (ruptura del principio de igualdad).
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—Difamación
Difamación es descrédito.*
Difamación es declaración falsa y perjudicial.
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*De palabra o por escrito; libelo [v arriba] y panfleto (o pasquín, si tiene contenido político), una forma de libelo, son escritos breves afrentosos o difamatorios, aunque el panfleto, escrito en octavilla, tiene carácter propagandístico o de denuncia.
—Insulto (lenguaje soez o grosero), insultar (ofender provocando o irritando)
El insulto es la razón del que razón no tiene. (Quevedo)
El insulto deshonra a quien lo infiere, no a quien lo recibe. (Diógenes de Sínope)
El insulto busca la ofensa y apunta a las personas; la libertad de expresión apunta a las ideas y busca la crítica. (J. Wagensberg)
El insulto, para que sea eficaz, debe ser agudo, lúcido, certero, preciso. (A. Schopenhauer)*
Muchos que no tienen argumentos para razonar recurren al insulto.
El insulto es el único verdugo que tenemos a mano. (R. Gómez de la Serna)
El primer ser humano que insultó a su enemigo en vez de tirarle una piedra fue el fundador de la civilización. (S. Freud)
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*Para Arthur Schopenhauer, el insulto, el dicterio o la invectiva, es el último recurso de la argumentación dialéctica, agotadas ya todas las razones lógicas posibles. El filósofo alemán abordó este comportamiento en su famosa estratagema número 38 de El arte de tener razón (Dialéctica erística) y en la antología póstuma recopilada bajo el título El arte de insultar.
El Preludio No. 15 de Federico Chopin, perteneciente a sus 24 Preludios Op. 28 (1835-1839), es llamado «Gota de lluvia» por la frecuente repetición de la nota la bemol en el acompañamiento, y por más que el compositor negase el sonido imitativo. Al respecto, George Sand (seudónimo de Aurore Dupin), escritora y compañera de Chopin, escribió:
«Su genio estaba lleno de misteriosos sonidos de la naturaleza, pero transformados en sublimes equivalencias musicales en su pensamiento, pero no a través de imitaciones sin originalidad de los sonidos reales.»
Por cierto, este preludio fue concebido por Frédéric Chopin, en 1858, durante su estancia en el monasterio de Valldemossa, isla de Mallorca. (*) Allí completó sus Preludios Op. 28 y compuso la Balada n.º 2 en fa mayor Op. 38, la Polonesa en do menor Op. 40 n.º 2 y el Scherzo n.º 3 en do sostenido menor Op. 39.
Traemos hoy una lección escénico-musical protagonizada por Jorge Drexler. Este hombre polifacético, gran comunicador, poeta, actor y cantautor uruguayo, además de médico (¡músico médico!) sin especial orden, diserta sobre la décima (estrofa creada por Vicente Espinel, escritor y músico) y la milonga. Esta canción, con su ritmo musical 3-3-2 y acento característico, no es genuinamente rioplatense, sino que parece tener su origen ancestral en Oriente Medio. Incluso fue aprovechado por Astor Piazzolla, tras escuchar a emigrantes judíos de origen ucraniano en Nueva York, para transformar el tango de la segunda mitad del siglo XX, tocado en su bandoneón, un instrumento alemán del siglo XIX, creado para las iglesias que no se podían permitir tener un órgano; increíblemente, el bandoneón acabó asentándose en el Río de la Plata, convirtiéndose en el instrumento esencial de la milonga y el tango, junto con la guitarra española, instrumento al que el referido Espinel le agregó la sexta cuerda. Pero, mejor, escuchemos a Jorge Drexler.
