El aria ‘‘Agitata da due venti’’ (Sacudida de dos vientos), de Adelaida/Griselda, óperas de Antonio Vivaldi, tiene su explicación de figurar en dos obras distintas, porque en la ópera seria era común reutilizar algún aria exitosa de una ópera en otra posterior. De modo que tras el éxito de este aria virtuosista, estrenada en la ópera Adelaida, fue incluida también en la ópera Griselda.
Agitata da due venti
freme l'onda in mar turbato,
e 'l nocchiero spaventato
già s'aspetta a naufragar...
Dal dovere da l'amore
combattuto questo core,
non resiste e par che ceda
e incominci a desperar...
Sacudida por dos vientos
la ola tiembla en mar revuelto,
y el timonel asustado
espera ya naufragar...
Por el deber del amor
con el corazón combate,
no resiste y va a ceder
y empieza a desesperarse...
«Agitata da due venti» (de ópera Griselda), Antonio Vivaldi
Tchaikovsky describió la música de Mozart como una encarnación de la belleza divina en una forma humana que inspiraba amor, y a Mozart como un ‘‘Cristo musical’’. Esta adoración por Mozart tuvo su origen en su infancia, a los cinco años, cuando escuchó extractos de Don Giovanni (*) en el orquestrión que su padre había traído de San Petersburgo, especialmente el aria de Zerlina ‘‘Vedrai, carino’’. El pequeño Piotr quedó tan fascinado por esta melodía, que su madre le enseñó a tocar en el piano. Y su pasión por Mozart duró toda su vida, como escribió su hermano Modest en la biografía del compositor.
(*) Tchaikovsky admiraba muchas composiciones de Mozart, pero sobre todo Don Giovanni, que consideraba como la más grande de todas las óperas. Y por su creatividad espontánea, Mozart era para Tchaikovsky el músico y artista ideal.
La soprano Victoria de los Ángeles López García (Victoria de los Ángeles López García, 1923-2005) nació en Barcelona, hija de padre andaluz de Fuengirola emigrado, que trabajaba como bedel en la Universidad de esa ciudad, y de madre de Puebla de Sanabria. Su formación educativa y musical se realizó en su ciudad natal. Estudió en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, donde se graduó en solo tres años, a los 18 años de edad. Ya soprano profesional (soprano lírica o lírica spinto), desarrolló su carrera en la ópera y como recitalista, cantando Lieder. Destacó especialmente en papeles de óperas de Mozart (Don Giovanni, Le nozze di Figaro), Rossini (Il barbiere di Siviglia), Verdi (La Traviata, Otello), Wagner (Tannhäuser, Lohengrin), Puccini (La Bohème, Madama Butterfly) y otros compositores (Fausto, Carmen, Cavalleria rusticana…).
Siempre es difícil describir con palabras una voz.Había en ese órgano relieves que nos permiten, por decirlo de un modo prosaico, asirlo para un examen didáctico. Decía en cierta ocasión Joaquín Calvo Sotelo que la de Victoria era una “voz químicamente pura”. El timbre, de soprano lírica de cierta anchura, luminoso, aunque con claroscuros muy excitantes, era cremoso y acariciador, terso, de evidente sensualidad, homogéneo, con fácil soldadura de registros, de purísimo esmalte. El canto en ella, debido a esa naturalidad emisora, era de aplastante espontaneidad. Victoria cantaba como hablaba, sin apreciable esfuerzo; era un acto reflejo como el de respirar.
La naturalidad ha sido su tarjeta de presentación desde la más tierna infancia.
Esa naturalidad inocente la empujaba de niña a cantar, acompañándose ella misma con la guitarra, las canciones populares que oía en casa. Y esa naturalidad la alejó de la afectación propia de las grandes estrellas, siendo ella una de las que más han brillado en la lírica internacional. Tuvo el reconocimiento de otra gran reina de la naturalidad: Elisabeth Schwarzkopf, con la que mantuvo muy buena relación.
Victoria de los Ángeles es posiblemente la soprano española más importante del siglo XX. Y quizá tuviera razón Maria Callas cuando llegó a afirmar que en aquella ciénaga por la que pasaba el Metropolitan neoyorquino de sus días gloriosos «la única flor era Victoria de los Ángeles». Poseía el raro don de la bondad. Afirmó la soprano que entre sus compañeros con ninguno se sintió nunca más a gusto que con Jussi Björling, tenor de timbre sinigual. Y su contacto con la poesía le hizo adentrarse y profundizar en el campo liederístico, abordando exitosamente Lieder de Schubert o de Schönberg. El centenario de su nacimiento es un buena justificación para reivindicar su extraordinario talento.
Yo lo que más he admirado de Victoria de los Ángeles, aparte de cualidades vocales y expresividad en su canto, ha sido su exquisita prosodia en cualquier idioma.
«Veo descender del cielo a la Música como una Luz sonora
que nos invita a pasear por los jardines del Señor.
Cantar ha sido para mí la alegría
de abrir mi alma a la más pura elevación.
¡Gracias a ti, Música!».
En estas palabras suyas está resumida toda la proyección de su arte.
Leoš Janáček (1854-1928), compositor checo nacido en una familia de maestros de escuela, demostró tempranamente talento musical, se ganó la vida como profesor de música y director de coros de aficionados, se casó con una de sus alumnas, Zdenka Schulzová, fue director de la Escuela de Órgano de Praga, estudió la música tradicional de Moravia como folklorista, fue crítico y no alcanzó el éxito como compositor hasta después de cumplir los sesenta años. Admiró a Smetana y Dvořák, compositores que influyeron en sus propias creaciones; también a Tchaikovsky, pero se expresó contrario a la música de Wagner. Se declaró rusófilo y paneslavista, y cofundó el Círculo Ruso, dejándose influir en sus obras por su nacionalismo. En lo personal sufrió la muerte temprana de sus dos descendientes, primero de su hijo menor, Vladimir, y después de su hija (a su memoria escribió la Elegía a la muerte de mi hija Olga, 1903, y le dedicó la ópera Jenůfa, 1904), motivos, junto a infidelidades, que desembocaron en una crisis matrimonial que lo alejó de Zdenka.
En 1917 acudió al balneario de Luhačovice para recuperarse de su abatimiento y allí conoció a Kamila Urválková (1891-1935), mujer casada y treinta y siete años menor que él, de la que el compositor se enamoró perdidamente. No llegaron a vivir juntos, pero mantuvieron una larguísima relación epistolar y Kamila le inspiró varias de sus mejores composiciones.
Al cumplir 70 años (1924), se publicó su biografía, escrita por su amigo Max Brod, crítico teatral y dramaturgo con quien había mantenido una relación personal y profesional desde 1916, en plena Primera Guerra Mundial.
En agosto de 1928, durante una excursión campestre con Kamila y su hijo Otto, cogió un resfriado que acabó en neumonía y falleció el día 12 de agosto en el hospital de Ostrava. En su funeral sonó la música de la escena final de su ópera La zorrita astuta, según sus deseos. Janáček fue enterrado en Brno, ciudad donde había pasado toda su vida productiva.
La plenitud creativa de Janáček fue tardía y duró unos 10 años, desde 1918 (al finalizar la Primera Guerra Mundial, con la destrucción del Imperio austrohúngaro y la constitución de la República de Checoslovaquia como un estado independiente), cuando el compositor tenía 64 años, hasta su muerte. Su música es muy original y en ella hay sentido del humor.
Entre las obras principales de Leoš Janáček están: la óperaJenůfa (1904), la rapsodia Taras Bulba (1918), el ciclo de canciones Diario de un desaparecido (1919), la ópera Katia Kabanová (1921), la ópera La zorrita astuta (1923), el sexteto de viento Mladi (Juventud, 1924), la Sinfonietta (1926), la ópera El caso Makropulos (1926), la Misa glagolítica* (1927), el Cuarteto de cuerda número 2 (1928) y la ópera De la casa de los muertos (1928), última composición.
En la música vocal de Janáček hay una relación entre acento de la palabra (prosodia) y la entonación de la lengua con la música, conformando melodías de las palabras (o melodías del habla), de una manera peculiar, diferenciable. Y en general crea sonoridades envolventes, embriagadoras. Se ha comparado su música con la de Mussorgsky, compositor anterior (y si pensamos en un músico posterior, podríamos atrevernos a relacionarlo con Prokofiev, también ruso). En cualquier caso, y aun bebiendo de corrientes musicales ajenas, como el impresionismo, el compositor mantiene un estilo muy personal que lo vuelve genial e inimitable.
Tras analizar en profundidad las canciones y ritmos de la música campesina y las inflexiones de la lengua hablada, Janácek creó un canto basado en la prosodia checa con melodías ligadas a la acentuación natural del idioma.
(...) el compositor buscaba la manera de expresar a través de la música todas las circunstancias de su vida (...) Janácek realizaba observaciones sobre los influjos psíquicos del lenguaje. Se trataba más que de la explotación mecánica de motivos corrientes del habla, de realizar la transposición [conversión] en música de toda la agitación que invade al individuo en el momento en que se expresa. He aquí al autor: "En la época de composición de Její Pastorkyňa [La hija adoptiva o Jenůfa] yo bebía, literalmente, la melodía de las palabras (...) Yo experimentaba una alegría silenciosa ante la belleza de estas melodías, la justeza y la fuerza de su expresión. Es que me era posible llegar a la mayor profundidad del alma de la persona que escuchaba hablar a través de la música de las palabras".
Leoš Janáček y Petr Bezruč
Janáček halló en el poeta Petr Bezruč (1867-1958) una fuente de inspiración, en sus poemas de temática social y nacional, en particular sobre la explotación de los checos en Silesia por alemanes y polacos.
«JENŮFA de Janáček es una obra maestra oscura e impresionante, tanto musical como dramáticamente. En esta historia profundamente conmovedora, Kostelnička ahoga en secreto al hijo ilegítimo de su hija adoptiva Jenůfa, con la esperanza de salvar a Jenůfa (y a ella misma) de la vergüenza y la humillación. Cuando se descubre el asesinato, Kostelnička acepta las consecuencias, pero Jenůfa termina la ópera con esperanza en el futuro».
Conocemos a Franz Schubert (1797-1828) por sus Lieder, su música para piano (sonatas, impromptus, momentos musicales, Fantasía del caminante) y de cámara (Quinteto ‘‘La trucha’’, Cuarteto n.º 14 ‘‘La muerte y la doncella’’, Octeto), incluso por algunas sinfonías (sobre todo, Sinfonía n.º 5, Sinfonía n.º 8 ‘‘Inacabada’’ y Sinfonía n.º 9 ‘‘La Grande’’), pero poco o casi nada sabemos de su música escénica.
De sus obras escénicas, en número importante [v. «Composiciones de Franz Schubert», al final], lo más conocido es la música incidental de Rosamunda. Menos exitoso fue Schubert en la ópera (y en los Singspiel), pero dos de sus once óperas nos llaman la intención: una por el nombre, Fierrabras y otra por estar ambientada en España, Alfonso y Estrella, suponiendo ambas un intento del compositor por escribir gran ópera romántica en alemán y superar el Singspiel.
De Rosamunda(Rosamunde,1823), música escénica para la obra homónima de la escritora Helmina von Chézy, leemos que fue un fracaso y sólo se representó durante dos días. Después desapareció la partitura y se encontró en 1861. Se pensó que el libreto se había perdido, pero se ha conservado (modificado por una edición posterior del autor) en la Biblioteca Estatal de Stuttgart, y se publicó en 1996. Rosamunda, princesa de Chipre*, está destinada a tomar el poder a la edad de dieciocho años, habiendo sido previamente criada de incógnito como pastora por la viuda del marinero Axa. El gobernador Fulgencio (nueva versión: Fulvio), que lleva tanto tiempo en el cargo tras matar a los padres de Rosamunde, intenta frustrar su reinado, primero con intrigas, luego con una propuesta de matrimonio y finalmente con un intento de envenenamiento. Pero Rosamunda, legitimada por un documento de mano de su padre, recibe un amplio apoyo de los chipriotas y del príncipe cretense Alfonso, su futuro novio. Finalmente, Fulgencio (Fulvio) muere por su propio veneno. Y Rosamunde asciende al trono.
La ópera Fierrabras (1823) está inspirada en el caballero sarraceno Fierabrás, personaje que aparece en las leyendas del ciclo carolingio, hijo del almirante Balán, rey de Al-Ándalus, y que acabó militando en el ejército de Carlomagno. El argumento gira en torno a su conversión al cristianismo y a la relación amorosa entre su hermana y Guy de Borgoña, paladín de Carlomagno.
Fierrabras: Overture – Schubert
La ópera Alfonso y Estrella (Alfonso und Estrella, 1821/1822), estrenada en Weimar el 24 de junio de 1854, está ambientada en la época de la Reconquista, alrededor del año 790 en Oviedo, la sede real del Reino de Asturias, al que se hace referencia con el nombre históricamente posterior de León, y en una sierra cercana. El anciano rey Fruela fue desterrado después de que Mauregato* y su general Adolfo lo destronaran. Adolfo se enamora de Estrella, la hija de Mauregato, el nuevo gobernante. [En este punto tomamos otra fuente argumental, que reproducimos.] Pero Mauregato dice que sólo el hombre que posea la «Cadena de Eurico» podrá casarse con Estrella. Y Adolfo, furioso, planea una revuelta contra Mauregato... Durante una expedición de caza, Estrella se separa de la partida, se encuentra con Alfonso –hijo de Fruela– y se enamoran, sin saber cada uno la identidad del otro. Alfonso le da a Estrella un collar que siempre ha llevado consigo, y le señala un camino seguro a su hogar. De regreso en la corte, ella cuenta la historia, y Mauregato reconoce el collar como la «Cadena de Eurico». Antes de que pueda decirle lo que significa, comienza la rebelión dirigida por Adolfo, quien captura a Estrella. Alfonso descubre que Estrella es la hija de Mauregato, y se pone al lado de éste contra los rebeldes. Las tropas de Mauregato vencen a Adolfo, y Alfonso rescata a Estrella. Pero Mauregato tiene remordimientos de conciencia y restaura a Fruela en su trono. A cambio Fruela abdica en Alfonso** y Estrella. [Libreto traducido al castellano AQUÍ. Comentario AQUÍ.]
Schubert completó 11 óperas y trabajó en otras, dejándolas inacabadas. Algunas de sus óperas tuvieron un éxito moderado, como Die Zauberharfe (El arpa mágica), pero la gran mayoría, si no todas, las obras escénicas de Schubert no han resistido la prueba del tiempo como sus sinfonías, canciones y piezas para piano.
Schubertiada
El término Schubertiada (Schubertiade) se refería inicialmente a las reuniones privadas de Franz Schubert con sus amigos, en sus últimos años, desde 1821. Hoy, la schubertiada es el festival más prestigioso del mundo dedicado a Schubert, con el fin de reivindicar su nombre junto a los de Mozart y Beethoven, y también el nombre de cualquier celebración musical inspirada en su música.
El poder político es el poder organizado de una clase para oprimir a otra.
Karl Marx
El poder político es la lógica del ejercicio de las funciones por parte de las personas que ocupan un cargo representativo dentro del gobierno.
Ya editamos en este espacio una larga entrada sobre el poder, con el título «Tras el poder», donde recogimos aforismos sobre política y poder (con sus referencias a estado, gobierno e ideología), consideraciones filosóficas y otras (una neurofisiológica y otra musical), además de un anexo con poemas sobre política y poder. Y en la consideración musical nos referimos a la obra maestra de Modesto Mussorgsky: la ópera Boris Godunov, basada en el drama homónimo de Pushkin.
Boris Godunov (c. 1551-1605), perteneciente a una familia noble de origen tártaro, ejerció el poder absoluto como zar desde 1598 hasta su muerte, en una Rusia medieval, de nobles terratenientes (boyardos) muy influyentes y con una Iglesia Ortodoxa que también tenía un importante poder.
Boris Godunov (de Mussorgsky): Escena de la coronación
En una entrada lejana hablamos sobre el entretenimiento (distracción, diversión, pasatiempo, recreo, juego), referido a cualquier actividad que permite a los seres humanos emplear su tiempo libre (ocio) para divertirse o recrear su ánimo con una distracción, evitando el aburrimiento y evadiéndose temporalmente de sus preocupaciones, alegrándose o deleitándose; por ejemplo, jugando o leyendo. Y aquí nos centramos en el juego –que, a diferencia del deporte, no busca la competición– y en particular en los juegos tradicionales o infantiles (de patio o de calle: corro, pídola, tabas, canicas, peonza, billarda, aro, cometa...), muchas veces con objetos para jugar: juguetes.
Los juegos infantiles han sido fuente de inspiración musical. Y un compositor recogió doce de ellos en una suite para piano a cuatro manos: Georges Bizet (1838-1875), el mismo autor de Carmen, la archifamosa ópera, y La arlesiana.
A los 33 años, próximo a la paternidad, Bizet recordó los juegos de su infancia y compuso Jeux d’enfants para piano a cuatro manos. Una docena de juegos infantiles musicalmente evocados: el suave balanceo del columpio (‘‘L'Escarpolette’’); el movimiento circular de una peonza (“La toupie”); la canción de cuna para una muñeca (“Le poupée”); el galopar de los caballos de madera (“Le chevaux debois”); los movimiento de vaivén del volador (Le volant”); el aire marcial de trompetas y redobles de tambor (“Trompette et tambour”); el vuelo ligero e inestable de las pompas de jabón (“Les bulles de savon”); el correr travieso de los niños jugando a las cuatro esquinas (“Les quatre coins”); el buscar algo atolondrado en la oscuridad de la gallinita ciega (“Colin-Maillard”); un diálogo vivo y animado entre dos personajes locuaces (“Saute-Mouton”); el juego tierno de los niños que se imaginan adultos (“Petit mari, petite femme”); y el galope divertido de la pelota de la obra (“Le bal”), que sirve de conclusión feliz y desenfadada. [Fuente: https://lakitara.blogspot.com/2017/10/nostalgia.html]
Juego de niños (Jeux d’enfants), George Bizet
1. Reverie: L'Escarpolette (El columpio)
2. Impromptu: La Toupie (El trompo, la peonza)
3. Berceuse: La Poupée (La muñeca)
4. Scherzo: Les Chevaux de bois (Los caballitos de madera)
5. Fantaisie: Le Volant (La rueda)
6. Marche: Trompette et Tambour (Trompeta y tambor)
7. Rondino: Les Bulles de Savon (Las pompas de jabón)
8. Esquisse: Les quatre coins (Las cuatro esquinas)
9. Nocturne: Colin-Maillard (La gallinita ciega)
10. Caprice: Saute-Mouton (Salto de la rana, La pídola)
11. Duo: Petit mari, petite femme (Maridito, mujercita)
12. Galop: Le Bal (La pelota)
«Las doce piezas para piano Juegos de niños (1871) son miniaturas brillantes que reflejan el mundo infantil, descritas con una intuición concisa y maravillosa. Bizet orquestó más tarde cinco de estas piezas».
Compositor francés, nacido en una familia de músicos, cuya escasa producción musical –por su muerte prematura– no empaña su calidad. Su padre, profesor de canto, le enseñó los primeros rudimentos del arte musical; recibió clases de piano de Antonine François Marmontel en el Conservatorio de París y estudió composición con Pierre Zimmermann, que sustituía entonces a Charles Gounod. En 1852, un primer premio de piano fue la compensación a sus brillantes y fogosas ejecuciones; en 1854 obtuvo un premio de órgano en la clase de Benoist y continuó sus estudios de composición con Jacques Fromental Halévy. Ya en la Sinfonía en do mayor (1855) se pudo entrever que la economía, la precisión en la expresión y el ritmo danzante y ágil serían características de su música.
En 1857 ganó el Premio de Roma de composición musical, que le permitió formarse en Italia durante tres años. Su ópera Don Procopio data de esa época. A su regreso a Francia, compuso las óperas Los pescadores de perlas (1863) y La hermosa muchacha de Perth (1867), ambas acogidas con frialdad por el público. No corrieron mejor suerte las dos obras que más han contribuido a la fama del compositor: la música de escena para el drama La arlesiana (1872), sobre texto de Alphonse Daudet, y la considerada obra maestra del teatro lírico galo, Carmen (1875), cuyo controvertido estreno se dice que precipitó la muerte del compositor. Las dos suites orquestales de La arlesiana y la obertura Patria (1873) fueron las únicas obras que gozaron de algún éxito durante la vida del músico.
Bizet es uno de los maestros del arte lírico francés por la concisión de pensamiento, sugestiva potencia, variedad de vocabulario armónico y riqueza y forma de su orquestación. El escenario de sus óperas se sitúa fuera de Francia. Presenta con acierto exóticos ambientes, especialmente en Los pescadores de perlas. Junto a un exotismo bien estudiado, procuró asimilar las figuras de la escena, caracterizándolas en su música, como en el retrato oriental de Djamileh (1872), ópera en un acto basada en un cuento oriental de Alfred de Musset.
Sobre Carmen
La caracterización musical y dramática de Carmen, una de las obras de más éxito en la historia de la ópera, no fue fruto del azar, sino la culminación del desarrollo artístico del compositor. Los críticos de la época fueron duros en su apreciación de la música de Bizet y el estreno de Carmen fue casi un fracaso. El relato de Prosper Merimée (que narra la aventura amorosa entre la gitana Carmen y el joven soldado don José y acaba con la total degradación del soldado, cuya pasión le empuja a matar a Carmen) era un tema demasiado realista para el público de aquel tiempo. Bizet falleció la noche de la trigésimo tercera representación de Carmen. Poco antes había destruido la mayor parte de sus manuscritos que vacilaba en confiar a un editor, y especialmente el esbozo de ElCid (el libreto de El Cid habría de ser aprovechado por Jules Massenet). Una ópera apreciada por Tchaikovsky, que enseguida la consideró una obra maestra y perdurable. [v. Tchaikovsky and Bizet]
Si reparamos en los pícaros humildes y en los tramposos de toda condición, concluiremos que en este mundo impera la burla, ya como broma inocente –sin intención de hacer daño– o como engaño malicioso –con intención de ridiculizar–. En la gran música hay composiciones de broma y de burla. De broma es significativa Una broma musical, divertimento de Mozart, cuya escritura es intencionadamente divertida (algunos pasajes podrían pasar por música experimental o de vangardia). Y de burla en general, ‘‘Todo el mundo es burla’’ (Tutto nel mondo è burla), de la ópera Falstaff, de Verdi.
Solo hubo Beethoven y Richard [Wagner]; y después de ellos, nadie.
Gustav Mahler
«Señor Wagner:
Ante todo, quiero decirle que le debo el mayor gozo musical que jamás haya experimentado». Charles Baudelaire
Richard Wagner (1813-1883), el gran compositor de óperas (o de dramas musicales, como él prefería decir), fue además director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical. Su figura, encuadrada en el Romanticismo musical, puede despertar antipatías por sus ideas políticas (al parecer cambiantes: anarquistas, socialistas, absolutistas), su nacionalismo (sustentado en la mitología germánica), su antisemitismo y su orgullo. Pero su pensamiento musical, dirigido a la «obra de arte total»* (síntesis de poesía, música y escenografía), y la consecución de una voz personal**, que halló con la ópera El holandés errante o El buque fantasma (1843), lo llevaron a alcanzar logros operísticos y cumbres sonoras irrepetibles, sublimes, de innegable majestuosidad. Algunos críticos sostienen que la música contemporánea nace de la armonía, rica en cromatismos y disonancias no resueltas, de Tristán e Isolda.
Wagner es libretista de sus óperas y el creador del «leitmotiv»: tema musical recurrente. Sin embargo, es controvertido como compositor; su música tuvo –y tiene– detractores y partidarios. En su tiempo fue significativa la admiración que le rindió el rey Luis II de Baviera; y había partidarios antagónicos de Wagner o de Brahms (defensor éste de la música pura). Entre otros compositores, fue admirado por Anton Bruckner, Hugo Wolf y Gustav Mahler. Personaje polémico: es más fácil admirar su música que al creador. Y aunque veces se contrapone su música a la de Giuseppe Verdi, el otro monstruo de la ópera, es posible amar también a Wagner.
Wagner, nacido en Leipzig (ciudad donde falleció Bach), tuvo una pasión inicial por el teatro, pero decidió dedicarse a la música cuando tuvo conocimiento de la ópera El cazador furtivo de Carl Maria von Weber y, sobre todo, al descubrir la Sinfonía n.º 9 “Coral” de Beethoven. Su formación musical fue autodidacta. Tuvo unos comienzos difíciles y sufrió penurias económicas, hasta conseguir llevar una vida desahogada gracias al mecenazgo de Luis II de Baviera. Se casó dos veces; su primera mujer, Minna, era actriz, y la segunda, Cosima, era hija ilegítima de Franz Liszt. Wagner murió en Venecia –a donde había ido a descansar de su extenuante labor compositiva final–, de un ataque cardíaco, cuando estaba cerca de cumplir setenta años.
Estas pinceladas biográficas pueden ser completadas con las biografías enlazadas abajo o, mejor, con la lectura de libros sobre el compositor.
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*En alemán Gesamtkunstwerk (obra de arte total): obra de arte que integra las seis artes: la música, la danza, la poesía, la pintura, la escultura y la arquitectura, como Wagner creía que hacía la tragedia griega.
**El estilo wagneriano quedará definido: arias, dúos, coros, fluyen sin divisiones, como en un río musical fundido con el texto dramático, dónde las sonoridades portan una gran fuerza emocional. La obertura de Tannhäuser es predecesora de una nueva forma musical: el poema sinfónico, que desarrollará Liszt. Wagner hizo avanzar el lenguaje musical. Respecto a la temática de sus dramas musicales, con inspiración en leyendas y en la mitología nórdica o germánica, es reiterada la redención por el amor.
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Festival de Bayreuth
El empeño de Wagner en construir un teatro en Bayreuth para la representación exclusiva de sus óperas se materializó. En 1876 se inauguró el teatro con el estreno de El anillo del nibelungo. Entre los asistentes se encontraban el Kaiser Wilhelm I, el Emperador Pedro II de Brasil, y los compositores Anton Bruckner, Camille Saint-Saëns y Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Desde entonces quedó establecido el Festival de Bayreuth, que se viene celebrando anualmente.
Composiciones de Wagner
Además de El holandés errante (1843), cabe destacar las siguientes óperas wagnerianas: Rienzi* (1838), Tannhäuser* (1845), Lohengrin* (1845), Tristán e Isolda* (1857), Los maestros cantores de Núremberg (1868), La valquiria (1874) –forma parte de la tetralogía «El anillo del Nibelungo**»: El oro del Rin (1869), La valquiria, Sigfrido (1876) y El ocaso de los dioses*** (1876)– y Parsifal* (1877). Y de las obras no operísticas: El idilio de Sigfrido (1870), poema sinfónico, una declaración de amor a su esposa, Cosima, y a su hijo, Siegfried.
Tannhäuser: caballero y poeta en una leyenda medieval alemana.
Lohengrin: personaje de la literatura artúrica alemana, hijo de Parsifal.
Tristán e Isolda: personajes de leyenda de la Materia de Bretaña, incorporada al ciclo artúrico, que cuenta la historia de amor entre Tristán, joven caballero de la Mesa Redonda, e Isolda, princesa irlandesa.
Parsifal (Perceval, Percival): personaje central en la leyenda artúrica, conocido por su búsqueda del Santo Grial; en la leyenda es a menudo retratado como 'inocente' o 'tonto'.
Brunilda: valquiria. [Valquirias: entidades femeninas menores de la mitología nórdica, que servían a Odín bajo el mando de la diosa Freyja, cuya labor era elegir a los héroes caídos en batalla para llevarlos al Valhalla, «salón de los caídos», una especie de paraíso.
Sigfrido: héroe que mata al dragón Fafner y se apodera del anillo mágico; enamorado de Brunilda.
***A veces traducida como El crepúsculo de los dioses.
La escuela de Leipzig (Clara Schumann-Brahms), conservadora, defensora de la música absoluta o pura, prefería seguir las formas de los maestros clásicos. La escuela de Weimar (Liszt-Wagner) emprendía nuevos caminos y prefería abrazar la música programática, pictórica y sugerente.
¡Qué don Quijote este Wagner! Malgasta todas sus fuerzas en perseguir quimeras, cuando para evocar todo en mundo de ideal y belleza le bastaría con seguir la inclinación natural de su extraordinario talento. Wagner me parece que es esencialmente un sinfonista. El genio de que está dotado ha sido arruinado por las teorías que se ha forjado y está decidido a aplicar a toda costa, teorías que paralizan su inspiración. A fuerza de buscar la realizada, la verdad, la razón, ha acabado por olvidar la música, que muchas veces se busca en vano en sus últimas óperas. Yo no puedo llamar música a semejante caleidoscopio, a esa frases ondulantes que se suceden una a otra sin interrupción y no se terminan jamás, sin que el oído pueda captar la menor forma musical o percibir una amplia melodía bien redondeada, sin conceder un minuto de reposo para el cantante, que necesita correr sin cesar detrás de la orquesta y procurar no perder su nota, que no tiene más importancia en la partitura que la menor nota de la cuarta trompa. Pero no cabe duda de que Wagner es un maravilloso sinfonista...
Wagner: un bello ocaso que se ha confundido con una aurora.
Alguien me dijo una vez que la historia de la música se divide en dos periodos: antes y después de Richard Wagner... En una misma obra, Wagner puede pasar de parecernos monolítico y casi indigestible a antojársenos rodeado de una aureola divina. A mí, personalmente, me gustan muchos de sus fragmentos instrumentales (preludios, marchas, etc.) y su celebérrima «Cabalgata de las Valquirias», por más famosa que sea entre el público general, es solamente la punta del iceberg y ni siquiera la mejor de las muestras de su genio. He aquí algunos pasajes musicales que me resultan particularmente fascinantes...
Apunte marginal: egolatría, egocentrismo o narcisismo musical. Con reservas, podemos considerar una trinidad de músicos ególatras del Romanticismo: Berlioz, Liszt y Wagner. Liszt dijo que ellos tres que estaban por encima del resto de compositores, aunque también elogiaba y apoyaba a otros músicos. Y el orgullo Berlioz podría tener su límite. Por eso se plantean dudas para categorizarlos. Sin embargo, el desprecio o la indiferencia de Wagner ante Bruckner, que lo adoraba y le dedicó la Tercera sinfonía, muestran el lado soberbio de don Ricardo, si bien aceptó la dedicatoria de quien estaba de su parte frente a los partidarios de Brahms, su polo opuesto, compositor tradicionalista que rehuía la ópera. Por otra parte, Wagner convenció a Luis II de Baviera, el ‘‘Rey loco’’, para que financiara la construcción de su propio teatro en Bayreuth, llevando casi a la quiebra al monarca y sin mostrar sincero agradecimiento, sino más bien cinismo adulador. Cuestiones correspondientes a la persona que debemos separar de la obra del creador.
Los conquistadores españoles son los soldados y exploradores que, tras la llegada de Cristóbal Colón a América en 1492, durante la Era de los Descubrimientos (finales s. XV - inicios s. XVII), conquistaron y poblaron grandes extensiones de territorio en América y Filipinas. Entre los más famosos, Hernán Cortés, Francisco Pizarro y Vasco Núñez de Balboa. Desde una distancia temporal de cuatro siglos, son ahora vistos como héroes o villanos, despiertan admiración o rechazo; y en su negativa valoración, la Leyenda Negra ha sido decisiva. Pero no hay que olvidar que los conquistadores llevaron cultura, ciencia, tecnología, conocimiento, y que, además, se mezclaron con los indígenas, iniciando en América el mestizaje. Sin motivos para demonizarlos, nos quedamos con su faceta más gloriosa y aventurera.
CONQUISTADORES
Conquistadores: ¿Qué buscabais en los confines?
Oro. Poder. Gloria.
Conquistadores: ¿Qué teníais?
Ambición. Fuerza. Ilusiones.
Conquistadores: ¿Qué sabíais?
Cabalgar. Batallar. Sufrir.
Conquistadores: ¿Quiénes erais?
Francisco. Hernán. Vasco...
Conquistadores: ¿Qué ganasteis?
Tierras. Siervos. Un nuevo mestizaje.
Conquistadores: ¿Qué perdisteis?
Vida. Honor. ¡Los confines!
[1996]
Moctezuma (fragmento), Antonio Vivaldi
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Todo comenzó con el descubrimiento de América (1492), que fue posible gracias al patrocinio de los Reyes Católicos, Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, en particular por la mediación de la reina Isabel I de Castilla, al confiar en el proyecto de Cristóbal Colón y favorecer su expedición transoceánica. Después vendrían las sucesivas conquistas, comenzando con la conquista de México (1519-1521) por Hernán Cortés y del Perú (1532-1535) por Francisco Pizarro, procesos rápidos favorecidos por la superioridad tecnológica hispana (armas de fuego y acero), enfermedades infecciosas y alianzas estratégicas con pueblos indígenas enemigos de los imperios Azteca e Inca, resultando en la caída de Tenochtitlán y Cusco.
Conquistadores, hombres de espíritu valiente y aventurero.
—Personajes* y grandes descubrimientos
Cristóbal Colón. Nuevo Mundo (1492) –En la expedición del descubrimiento también iban Juan de la Cosa y los hermanos Pinzón, Martín y Vicente
Américo Vespucio. América del Sur (1497)
Giovanni Caboto. América del Norte (1497)
Pedro Alvares Cabral. Brasil (1500)
Rodrigo de Bastidas. Panamá (1501)
Vasco Núñez de Balboa. Istmo de Panamá, Océano Pacífico (1513)
Juan Díaz de Solís. Río de la Plata (1516)
Francisco Hernández de Córdoba. Yucatán (1517)
Fernando de Magallanes. Estrecho de Magallanes (1520)
Diego de Almagro. Chile (1535)
Francisco de Ulloa. Río Colorado (1539)
García López de Cárdenas. Gran Cañón del Colorado (1540)
[Expedición de Francisco Vázquez de Coronado]
Álvar Núñez Cabeza de Vaca. Cataratas de Iguazú (1542)
Francisco de Orellana. Río Amazonas (1542)
Álvaro de Mendaña. Islas Salomón (1568) e Islas Marquesas (1595)
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*Aunque estos conquistadores sean recordados por hitos concretos, navegaron mares y ríos y recorrieron diversos territorios de forma epopéyica.
–Son unos cuantos personajes selectos de una enorme lista de conquistadores españoles, entre los que también destacan Hernán Cortés y Francisco Pizarro, conquistadores respectivos de los imperios azteca e inca.
*Los españoles, mandados por Cortés, se aliaron con totonacas, tlaxcaltecas y cholultecas, pueblos indígenas enemigos de los aztecas del tlatoani Moctezuma.
**Se ha hablado que los aztecas o mexicas relacionaron la llegada de los españoles con el regreso del dios Quetzalcóatl, que habría de venir de donde nace el sol.
–El pájaro quetzal toma el nombre de este dios, que en traducción del náhuatl significa literalmente Serpiente Emplumada.
*Los españoles, con Pizarro al mando, se beneficiaron de la guerra civil o de sucesión incaica, entre los partidarios de Huáscar y los de Atahualpa.
–v. Trece de la Fama o Trece caballeros de la isla del Gallo: las trece personas que acompañaron a Pizarro en la conquista del imperio inca.
–En lucha contra los incas, Diego de Almagro perdió un ojo por una flecha, y al regresar victorioso dijo: «Me costó un ojo de la cara». De ahí, la famosa expresión.
**La mítica ciudad inca de Machu Picchu fue probablemente descubierta durante la conquista por el soldado Baltasar de Ocampo (apellido gallego, por cierto), quien dejó una breve descripción de su hallazgo.
*La conquista comenzó durante el tercer viaje de Cristóbal Colón, con la diferencia frente a México y Perú de que no existía un estado indígena dominante.
**El nombre de América proviene de Américo Vespucio (nombre castellanizado del italiano Amerigo Vesppucci); dicha denominación aparece en 1507, cuando el cartógrafo Martin Waldseemüller designó así al nuevo continente en su honor.
*La conquista fue iniciada por la expedición de Alonso de Ojeda, en la península de la Guajira, entre Colombia y Venezuela. Le siguió Vasco Núñez de Balboa, que construyó la ciudad de Santa María la Antigua del Darién, en la región del Darién, al sur del istmo de Panamá.
*La conquista comenzó con el primer viaje de Cristóbal Colón. Se utilizaron perros de guerra, en especial alanos (tipo de molosos), siendo famoso Becerrillo, que perteneció a Ponce de León.
[Argentina, Paraguay, Bolivia, Uruguay, Provincia de Río Grande de Brasil]
Juan Díaz de Solís
Sebastián Caboto
Pedro de Mendoza
Juan Ortiz de Zárate
Juan de Garay
Juan de Ayolas
Domingo Martínez de Irala
Aleixo García
Nuflo de Chaves
Luis de Céspedes Xeria
Ruy Díaz de Melgarejo
Juan de Salazar
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*La conquista fue iniciada por Juan Díaz de Solís, que se internó en el actual Río de la Plata (al que llamó Río Dulce, por su baja salinidad) buscando un paso hacia Oriente, y otros muchos le siguieron en la conquista de esos vastos territorios.
—Conquistadores rebeldes: Gonzalo Guerrero y Lope de Aguirre
Gonzalo Guerrero fue un conquistador rebelde que se unió a los mayas; vivió y combatió junto a ellos contra los españoles, hasta y morir en combate frente a Pedro de Alvarado. Se casó con una princesa maya, de la que tuvo hijos, y en México se le considera «el padre del mastizaje».
Lope de Aguirre, despótico y blasfemo, lideró una expedición en busca de El Dorado y se rebeló contra la monarquía española; murió finalmente de un disparo de arcabuz, su cuerpo fue descuartizado y comido por los perros.
Cronistas destacados: Bernal Díaz del Castillo, Fernando de Alva Ixtlilxóchitl, Inca Garcilaso de la Vega, Pedro Cieza de León, Hernán Cortés, López de Gómara, Diego Durán, Francisco Ximénez, Fray Toribio de Benavente, Fray Bernardino de Sahagún, Fray Francisco Vásquez.
Las tierras conquistadas en América no fueron consideradas colonias, sino un reino independiente anexado a la monarquía española: Reino de Indias. Las autoridades se fueron creando a medida que se conquistaba el territorio y las primeras fueron los adelantados. Para poder gobernar América con cierta eficacia, el rey contaba en España con el asesoramiento y apoyo de otras autoridades: a) Consejo de Indias (Madrid), con funciones legislativas, administrativas, eclesiásticas, militares y judiciales; b) Casa de Contratación (Sevilla), para asuntos económicos y comerciales. A medida que avanzaba la conquista, la corona realizó las primeras divisiones del territorio en unidades políticas administrativas que se denominaron gobernaciones, encabezadas por un gobernador, cargo otorgado al jefe de la hueste conquistadora, por medio de capitulaciones, confirmadas por el rey. Más adelante ser realizaron nuevas divisiones territoriales: se dividió el extenso territorio español en América en 4 virreinatos, gobernados por virreyes: Virreinato de Nueva España (1535), con capital en México, que incluía los actuales Guatemala, San Salvador, Nicaragua, Honduras y Costa Rica; Virreinato del Perú (1542), con capital en Lima; Virreinato de Nueva Granada (1717), una separación del Virreinato del Perú), con capital en Santa Fe de Bogotá, que incluía los actuales Venezuela, Colombia, Ecuador y Panamá; y Finalmente, en se creó el Virreinato del Río de la Pata (1776), con capital en Buenos Aires, que incluía los actuales Argentina, Uruguay, Bolivia, Paraguay [y Río Grande, Brasil].
Lo más destacable es la eficacia y funcionalidad de un modelo urbanístico conocido como la traza, basado en la elección del lugar y en una malla reticular, un trazado inspirado en los campamentos militares de los griegos y romanos de la Antigüedad, y especificado en las instrucciones dadas por el rey Fernando el Católico en 1513.
Son aproximadamente 700 ciudades en tan solo un siglo, toda una proeza y una tarea descomunal de creación, no solo de la ciudad en sí (cabildo, iglesia, cárcel, plaza mayor, colegio, hospital, etc.), sino también de sus instituciones, sus normas, sus peculiaridades urbanísticas y del tejido ganadero e industrial para el autoabastecimiento de la población.
La Isabela fue la primera villa fundada por los españoles en América, en la isla La Española (actual República Dominicana) el 6 de enero de 1494, por Cristóbal Colón en honor a la reina Isabel la Católica.
El desprecio de un hispanoamericano por lo hispano
es tan absurdo como el desdén de un hispano por lo romano.
La aventura equinoccial de Lope de Aguirre (1964), Ramón J. Sender. Sobre la expedición al Amazonas de Pedro de Ursúa, a la búsqueda de El Dorado, y la rebelión de Lope de Aguirre
Ursúa (2005), William Ospina. Sobre Pedro de Ursúa, conquistador de Nueva Granada. Primera obra de una trilogía (junto a El país de la canela y La serpiente sin ojos)
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