Como síntesis de la dirección musical, llevada a cabo por un director que dirige un grupo instrumental o vocal –siguiendo lo que el compositor ha dejado escrito en la partitura–, traemos unas palabras y un interesantísimo vídeo del maestro Enrique García Asensio, que fue discípulo de Sergiu Celibidache.
El día que me sacó a dirigir por primera vez en 1960, yo estaba asustadísimo y temblaba mucho, tanto que mi batuta no paraba de moverse. Eran todo anacrusas. Me temblaba todo y yo debía dirigir la Cuarta sinfonía de Beethoven. Cuando me coloco en posición para empezar, me dice, «Erique (Nunca conseguí que me llamara Enrique), cómo pretende usted controlar a 80 músicos si no es usted capaz de controlarse a sí mismo». Me sentó y no dirigí. En ese momento yo lo habría matado, pero tenía razón. Desde aquel día no me ha vuelto a temblar la batuta. Hay ejercicios para auto controlarse. ¿Qué sensación da a los músicos ver a alguien temblando dirigir una orquesta?
El director de orquesta Vladimir Jurowski (1972), dice en una entrevista en la que habla de arte y política: «No podemos cerrar los ojos ante la relación entre las artes y la política». Quien la lea completa tal vez quede admirando de las inteligentes respuestas que da este joven director, que otros músicos eluden. Respecto a su faceta artística, he escuchado varias interpretaciones suyas al frente de diferentes orquestas y me ha impresionado gratamente por su precisa dirección, sin innecesarios aspavientos ni efectismos de cara a la galería. Y traigo al blog una interpretación de la Sinfonía n.º 8 de Dmitri Shostakovich, considerada por algunos de los admiradores de este compositor como la mejor de sus 15 sinfonías; por cierto, un creador artístico muy condicionado por la política soviética. La dirección de Vladimir Jurowski parece hacerle justicia a esta obra oscura.
***
Apunte sobre Dmitri Shostakovich (1906-1975)
Compositor soviético cuya producción abarca todos los géneros musicales, desde la música de cámara a la ópera, pasando por la música sinfónica y la música de cine, siendo además muy prolífico. El más representativo de la desparecida Unión Soviética junto a Sergei Prokofiev, pero su carrera, como la de éste, no fue fácil bajo el régimen de un estado dominante y controlador de las artes. Tampoco fueron fáciles sus inicios formativos, a pesar de haber nacido en el seno de una familia culta; su madre, pianista profesional, le dio las primeras lecciones musicales, pero quedó huérfano de padre siendo adolescente y hubo de tocar en salas de cine como pianista para mantener a los suyos. En el Conservatorio de Leningrado, tuvo como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Ya como compositor reconocido, las críticas del diario Pravda, publicación del Partido Comunista, bajo el mando de Stalin, podía suponer tanto un espaldarazo como un revés a la publicación o difusión de sus composiciones. Tanto era laureado con los Premios del Estado y Lenin y la distinción de Artista del Pueblo, como condenado por el mismo régimen, que calificaba su música de antipopular o excesivamente moderna, lo cual dejó su huella en el estilo de sus últimas composiciones, de tono amargo y sombrío, y una crudeza que contrasta con la jovialidad y desenfadado de las primeras.
Tras un periodo inicial de vanguardismo musical, el estilo de Shostakóvich derivó hacia un romanticismo musical tardío, con influencia de Mahler combinada con la tradición musical rusa (Mussorgski y Stravinski como referentes), creando un estilo muy personal que evolucionó incluso en algunas obras hacia la atonalidad. Su música tiene contrastes y elementos grotescos, con un componente rítmico muy destacado. Muchos críticos lo consideran el compositor más destacado del siglo XX.
De sus obras, ya sorprendió su Sinfonía n.º 1, escrita para su graduación en el conservatorio. La ópera La nariz y el ballet La edad de oro, confirmaron su talento. Tras revés crítico –no en cambio del público– de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk, calificada de caótica (contraria a la ‘‘música socialista’’: clara y asequible), fue aplaudido por la Sinfonía n.º 5 y, sobre todo, por la patriótica Sinfonía n.º 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo soviético contra el invasor nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la muerte de Stalin, en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, con partituras presididas en torno a la idea de la muerte, caso de sus tres últimas sinfonías (13, 14 y 15)* y sus cuartetos de cuerda, con los que expresaba sus miedos y preocupaciones.
____
*Consideradas geniales por un crítico, junto a las sinfonías 4 y 8.
–Aunque he hallado dos artículos que clasifican las 15 sinfonías por orden creciente de calidad de diferente modo (resaltamos el top 3 de cada una):
El aria ‘‘Agitata da due venti’’ (Sacudida de dos vientos), de Adelaida/Griselda, óperas de Antonio Vivaldi, tiene su explicación de figurar en dos obras distintas, porque en la ópera seria era común reutilizar algún aria exitosa de una ópera en otra posterior. De modo que tras el éxito de este aria virtuosista, estrenada en la ópera Adelaida, fue incluida también en la ópera Griselda.
Agitata da due venti
freme l'onda in mar turbato,
e 'l nocchiero spaventato
già s'aspetta a naufragar...
Dal dovere da l'amore
combattuto questo core,
non resiste e par che ceda
e incominci a desperar...
Sacudida por dos vientos
la ola tiembla en mar revuelto,
y el timonel asustado
espera ya naufragar...
Por el deber del amor
con el corazón combate,
no resiste y va a ceder
y empieza a desesperarse...
«Agitata da due venti» (de ópera Griselda), Antonio Vivaldi
Esta gran pianista cuenta con un gran mecanismo interpretativo y un estilo melódico perfectamente adaptado a su repertorio. “Los llamados problemas técnicos sólo son una función psicológica. Algo que el cuerpo tiene la capacidad de hacer, algo como la habilidad para caminar. Nunca les presto atención a estos inconvenientes porque siempre son problemas de interpretación y la solución está en resolver primero las inquietudes musicales”, dijo a la revista Pianist.
En una entrevista para Musical Toronto, señaló:
“No me gusta construir un repertorio cronológico o sencillo. Me gusta tener una evolución emocional. Yo no actúo para entretener al público, sino para hacerlo sufrir. No me gusta cuando las personas aplauden después de una pieza musical trágica. Para mí la música no es para entretener, por eso cuando llegué a Estados Unidos me sorprendió que la música clásica se incluyera en la sección de entretenimiento. Yo no quiero ser un entretenimiento”. Desde 2008 los vídeos de sus interpretaciones han tenido un gran seguimiento debido a la claridad de exposición de las obras, a su virtuosismo extraordinario y a una pureza estilística que la coloca a la altura de las mejores interpretaciones disponibles de las obras.
Hay otros muchos pianistas que desarrollaron su carrera el siglo pasado dignos de tener en cuenta. Y en el XXI también los hay muy buenos, como Valentina Lisitsa.
Cada uno tiene sus gustos musicales y cada cual puede hacer de critico musical. Ya pusimos el ejemplo de una desconcertante crítica musical, por los criterios antagónicos entre dos profesionales sobre una interpretación del Concierto para violín de Sibelius, en concreto de la violinista solista. Ahora veremos el juicio crítico de un melómano sobre el gran director de orquesta George Szell, en particular respecto a la dirección de una sinfonía y en general sobre su modo de dirigir.
He tenido un problema de toda la vida con Szell porque no me gustan casi todas sus grabaciones de Cleveland. Del mismo modo, soy consciente de que muchas personas, incluidos muchos revisores profesionales, tenían y siguen teniendo los mismos sentimientos negativos. Ellos y yo admitimos sin reparos que ha creado una excelente orquesta en Cleveland; sin embargo, podemos recordar amablemente a los fanáticos de Szell que esos estándares orquestales se encuentran con bastante más frecuencia en el mundo de lo que la propaganda de Szell quiere hacernos creer. ¿No puede haber nadie tan ciego como para creer que Reiner, Karajan o Solti (por nombrar solo algunos) fueran capataces menos exigentes? Pero esta no es la esencia de la cuestión. Creo que lo que más nos molesta es el literalismo fanático de Szell: el hecho (y creo que es un hecho) de que con demasiada frecuencia no se pueda ver el bosque por los árboles en sus grabaciones. Se centra demasiado en las notas, muy poco en la respiración y el alcance de las frases y, en lo que respecta a la emoción, se niega constantemente a dejarse llevar, incluso en la música (como esta sinfonía de Tchaikovsky), que apesta a ella.
Otro aspecto es desconcertante. Un día de 1963 dirigió la RSO de Berlín para Elisabeth Schwarzkopf y produjo una maravilla de belleza y sensibilidad*. Con la Filarmónica y Fournier hubo un relato maravillosamente vívido del Concierto para violonchelo de Dvorak. En Ámsterdam, dirigió un magnífico y grandioso relato de [las sinfonías de] Sibelius n.º 2 y Beethoven n.º 5. En Londres, una lectura verdaderamente magistral del Concierto n.º 1 de Brahms con Curzon. ¿Qué pasa aquí?
Si me inclinara a especular, podría adivinar que «en casa» su creación musical tuvo que superar obstáculos que no existían en Berlín, Londres o Ámsterdam, lo que evitó la mayoría de las insistencias puntuales. Siguiendo una línea más basada en hechos, sus grabaciones en la CBS son todas muy secas, duras en los agudos y ligeras en los graves. Una vez hablé con un ingeniero que trabajó durante algún tiempo en Cleveland y culpó a Szell por ello, alegando que el director no publicaría ninguna grabación hasta que los agudos fueran lo suficientemente altos para su gusto en el ambiente muy acolchado de su casa. No puedo dar fe de ello, pero es evidente que todas las grabaciones europeas que he mencionado suenan mucho mejor, ¡mucho más humanas! (...) En 1959, el disco causó asombro (además de consternación) debido a su enfoque clínico de la música. A los que les gustó estaban hartos de las indulgencias de otros directores y elogiaron el hecho de limpiarse las telarañas. Pero para saborear esta novedad tendrías que viajar 50 años atrás en el tiempo. Desde entonces, casi se ha puesto de moda tocar la música sin implicación emocional, por ejemplo, Muti, Maazel, Abbado, Chailly, etc. Sus estándares orquestales no son ni un ápice inferiores a los de Szell. Sin embargo, por mi parte, me gustaría que la música tuviera al menos una apariencia de sentimiento romántico. Después de todo, es Tchaikovsky, no Stravinsky (quien, dicho sea de paso, admiraba mucho a Tchaikovsky).
(...)
El autor de esta reseña manifiesta su preferencia por otras interpretaciones más emotivas de la Sinfonía n.º 5 de Tchaikovsky, como las de Fritz Reiner, Herbert von Karajan o Georg Solti. Pero la grabación de George Szell con la Orquesta de Cleveland es de impecable factura. ¿Sin emoción como señala? Juzguen ustedes...
Dietrich Fischer-Dieskau (1925-2012) ha sido probablemente el cantante más grabado de la historia, algo no muy sorprendente si se tiene en cuenta la belleza aterciopelada de su voz,aliada al esfuerzo de dar sentido a los textos que cantaba en una dicción limpia y precisa (para disfrute de los germano-parlantes).
Tras la desaparición de la generación de entre-guerras y hasta nuestros días (Matthias Goerne aparte), se impuso una estética que va más por la simplicidad de expresión (tanto en la inflexión vocal como en la dicción) que por el intervencionismo (o expresionismo) que practicaban Fischer-Dieskau o Elisabeth Schwarzkopf, una querencia por las palabras como dando énfasis sutilmente a cada una de ellas y a las historias que cuentan, es decir, como narradores que se involucran y no meros repetidores asépticos de una narrativa (apreciar la diferencia tiene mucho que ver con entender o no el idioma alemán); por ejemplo, en ‘Die schöne Müllerin’ podemos asistir al desarrollo del carácter del protagonista desde la juvenil naïveté [ingenuidad], pasando por la desilusión, ira y celos hasta la desesperación y posible suicidio. Lo que es incuestionable es que aquellos días en donde se conseguía llenar completamente un gran teatro para un Liederabend a cargo de alguien del calibre de Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf, Victoria de los Ángeles o Elly Ameling, pasaron desgraciadamente a la historia. Cuestión de modas sin duda, pero la realidad es que, a pesar del flujo de grabaciones posteriores -algunas de ellas muy meritorias-, no hay nada hoy día que se pueda comparar al arte supremo que exhibe nuestro barítono, una condensación de una tradición anterior austro-germánica, y al entendimiento de los pianistas que le acompañan, por ejemplo, Gerald Moore. Lo que trae a colación el papel del piano en este género: el piano anticipa o confirma el contenido del poema; transmite la agitación interior del cantante; puede contradecir lo que está diciendo (tome por ejemplo el Erlkönig, mientras el padre intenta tranquilizar al hijo, el martellato del piano afirma la persistencia del peligro) y debe decidir si juega a colaborador o antagonista del cantante. En cualquier caso, lo que se valora es su oído atento, su solidez y su cultura enciclopédica, cualidades que Gerald Moore tenía en abundancia. No encontrará mejor compilación de los tres ciclos schubertianos que ésta (salvo quizá por los mismos intérpretes en EMI-Warner: grabaciones algo más opacas, pero el barítono con voz ligeramente más fresca).
Aunque no sea suficiente, baste esta reseña para aproximarse a la calidad interpretativa del gran barítono Dietrich Fischer-Dieskau, dominador del repertorio alemán del Lied y una autoridad también como musicólogo.
Schubert: An die Musik – Dietrich Fischer-Dieskau, Gerald Moore
La soprano Victoria de los Ángeles López García (Victoria de los Ángeles López García, 1923-2005) nació en Barcelona, hija de padre andaluz de Fuengirola emigrado, que trabajaba como bedel en la Universidad de esa ciudad, y de madre de Puebla de Sanabria. Su formación educativa y musical se realizó en su ciudad natal. Estudió en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, donde se graduó en solo tres años, a los 18 años de edad. Ya soprano profesional (soprano lírica o lírica spinto), desarrolló su carrera en la ópera y como recitalista, cantando Lieder. Destacó especialmente en papeles de óperas de Mozart (Don Giovanni, Le nozze di Figaro), Rossini (Il barbiere di Siviglia), Verdi (La Traviata, Otello), Wagner (Tannhäuser, Lohengrin), Puccini (La Bohème, Madama Butterfly) y otros compositores (Fausto, Carmen, Cavalleria rusticana…).
Siempre es difícil describir con palabras una voz.Había en ese órgano relieves que nos permiten, por decirlo de un modo prosaico, asirlo para un examen didáctico. Decía en cierta ocasión Joaquín Calvo Sotelo que la de Victoria era una “voz químicamente pura”. El timbre, de soprano lírica de cierta anchura, luminoso, aunque con claroscuros muy excitantes, era cremoso y acariciador, terso, de evidente sensualidad, homogéneo, con fácil soldadura de registros, de purísimo esmalte. El canto en ella, debido a esa naturalidad emisora, era de aplastante espontaneidad. Victoria cantaba como hablaba, sin apreciable esfuerzo; era un acto reflejo como el de respirar.
La naturalidad ha sido su tarjeta de presentación desde la más tierna infancia.
Esa naturalidad inocente la empujaba de niña a cantar, acompañándose ella misma con la guitarra, las canciones populares que oía en casa. Y esa naturalidad la alejó de la afectación propia de las grandes estrellas, siendo ella una de las que más han brillado en la lírica internacional. Tuvo el reconocimiento de otra gran reina de la naturalidad: Elisabeth Schwarzkopf, con la que mantuvo muy buena relación.
Victoria de los Ángeles es posiblemente la soprano española más importante del siglo XX. Y quizá tuviera razón Maria Callas cuando llegó a afirmar que en aquella ciénaga por la que pasaba el Metropolitan neoyorquino de sus días gloriosos «la única flor era Victoria de los Ángeles». Poseía el raro don de la bondad. Afirmó la soprano que entre sus compañeros con ninguno se sintió nunca más a gusto que con Jussi Björling, tenor de timbre sinigual. Y su contacto con la poesía le hizo adentrarse y profundizar en el campo liederístico, abordando exitosamente Lieder de Schubert o de Schönberg. El centenario de su nacimiento es un buena justificación para reivindicar su extraordinario talento.
Yo lo que más he admirado de Victoria de los Ángeles, aparte de cualidades vocales y expresividad en su canto, ha sido su exquisita prosodia en cualquier idioma.
«Veo descender del cielo a la Música como una Luz sonora
que nos invita a pasear por los jardines del Señor.
Cantar ha sido para mí la alegría
de abrir mi alma a la más pura elevación.
¡Gracias a ti, Música!».
En estas palabras suyas está resumida toda la proyección de su arte.
Sobre la cantante, o cantautora, Cecilia (1948-1976)
Se llamaba Evangelina Sobredo Galanes, pero era conocida como Cecilia. En pleno éxito artístico, falleció en un accidente automovilístico a los 27 años, pasando a integrar el simbólico «Club de los 27» (de personajes famosos que mueren a tal edad). Pero en su corta carrera artística nos dejó canciones inolvidables que sonaban en la década de 1970: «Dama, dama», «Nada de nada», «Un ramito de violetas», «Mi querida España» o «Amor de medianoche».
A menudo los grandes son desconocidos o peor, mal conocidos.
Thomas Carlyle
El violinista Joshua Bell pasó desapercibido cuando tocó en el metro de Washington (un experimento del Whashington Post), pero poco antes había llenado un teatro. Aquí había que pagar una entrada, allí lo hacía desinteresadamente. Daba igual la belleza que saliese de su violín, era un desconocido en el metro, siendo una figura en la sala de conciertos. Podríamos argüir que al concierto oficial la gente iba voluntariamente a escucharle con atención y que, en ese lugar público, el metro, iba a lo suyo, a trabajar o por distintos motivos personales, acaso con apuro, de modo que no podía detenerse o caminaba sin prestar atención. Pero la drástica conclusión puede ser: si no eres conocido, da igual que seas un genio o un artista sublime; la sociedad sólo atiende –y paga– al famoso, aunque sea un petardo.
Joshua Bell - Vivaldi: The Four Seasons "Summer" III. Presto
***
La fama es la (buena) opinión que la gente tiene de alguien o de algo.
AFORISMOS SOBRE LA FAMA (Popularidad, Reputación) [Proverbia]
La fama es la buena o mala opinión popular.
La fama es vapor; la popularidad, un accidente; la única certeza terrenal es el olvido. (M. Twain)
La fama es peligrosa, su peso es ligero al principio, pero se hace cada vez más pesado el soportarlo y difícil de descargar. (Hesíodo)
El peso de la fama puede aplastarte.
El cielo de la fama no es muy grande, y cuántos más en él entren a menos toca cada uno de ellos. (Unamuno)
La fama suele alcanzar a aquellos que están pensando en otra cosa. (O. W. Holmes)
La fama atrae la atención y las miradas.
Si la fama sólo llega después de la muerte, no tengo prisa en conseguirla. (Marco Aurelio)
Señal de tener gastada la fama propia es cuidar de la infamia ajena. (B. Gracián)
Unos tienen la fama, y otros cardan la lana. (Refrán)
parece revivirme un céfiro que viene de los muertos.
Infinito sosiego me arrebuja… (Serenamente marcharía
en decisivo sueño con tu nana postrera.)
Extemporáneo, me acomodo en los vocablos,
y por el sincopado jazz navego,
recalando con Cole en islas cristalinas.
De la negra garganta es único el embrujo.
‘‘A little street where old friend meet’’.
La invisible reliquia permanece
en las ondas del aire. Y en cada renacer,
amigable reencuentro.
Placer supremo al percibir ondas de seda.
¡Oh King!, rey inmortal desde la nada,
insuperable forma de decir desde el olvido.
¡Eternamente inolvidable!
[1997, en.]
Nat King Cole: To Whom It May Concern
***
Nat King Cole (1919-1965), pianista y cantante. El gran Cole era un fumador empedernido. Creía que el cigarrillo, específicamente mentolado, le ayudaba a mejorar su voz, dándole una modulación más grave y cálida; fumaba tres cajetillas al día. Por esta causa, murió a los 45 años de un cáncer de pulmón.
Jacqueline du Pré (1945-1987) nació con talento sobrenatural para la música, pero le fue arrebatado demasiado pronto por una feroz esclerosis múltiple que la apartó de los escenarios cuando apenas tenía 28 años y acabó con su vida a los 42. En ese lapso, Du Pré tuvo tiempo de convertirse en una de las mejores violonchelistas de la historia, a fuerza de virtuosismo, expresividad y carisma.
La gran violonchelista nos fue dejando fabulosos registros musicales en los que muestra su fuerza interpretativa; vivía sus interpretaciones, parecía dejar el alma a través de su magistral técnica. Pero en el apogeo de su carrera musical, con sólo 26 años, comenzó a sentir los síntomas de la esclerosis múltiple. Sus dedos comenzaron a perder sensibilidad y capacidad de movimiento. Y se vio obligada a abandonar la actividad que más llenaba su vida... Falleció dos años después, víctima de esta enfermedad (aunque se ha especulado que murió por eutanasia).
La esclerosis múltiple (EM) se caracteriza por focos diseminados de desmielinización (áreas localizadas: placas) en el encéfalo y en la médula espinal. Se cree que la EM entraña un mecanismo inmunológico. Una de las causas propuestas es la infección por un virus latente (posiblemente, un herpesvirus humano como el virus de Epstein-Barr) que, al activarse, desencadena una respuesta autoinmunitaria secundaria. Su mayor incidencia en determinadas familias sugiere una susceptibilidad genética.
Es más frecuente en climas templados que en los trópicos (una explicación posible es que las menores concentraciones de vitamina D, correlacionadas con el grado de exposición solar, se asocian con un riesgo aumentado de EM). Su edad más habitual entre los 20 y 40 años, con frecuencia algo mayor en mujeres. Los síntomas más frecuentes de EM incluyen alteraciones oculomotoras, parestesias, debilidad, espasticidad, disfunción urinaria y síntomas cognitivos leves. Las parestesias aparecen en una o más extremidades, en tronco o en un lado de la cara; la debilidad, o torpeza, en la pierna o la mano. Lo típico es que los déficits neurológicos sean múltiples, con remisiones y exacerbaciones que producen una discapacidad paulatina. El diagnóstico requiere evidencia clínica o por RM de ≥ 2 lesiones neurológicas características que están separadas en el tiempo y el espacio (localización en el sistema nervioso central). Pronóstico: la evolución de la EM es sumamente variada e imprevisible. En la mayoría de los pacientes, sobre todo cuando comienza con una neuritis óptica, las remisiones pueden durar meses a > 10 años. El tratamiento incluye corticoides para las exacerbaciones agudas, agentes inmunomoduladores para prevenir las exacerbaciones y la adopción de medidas sintomáticas.
Las cantantes referidas: Victoria de los Ángeles, Cesaria Évora, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Karen Carpenter, Édith Piaf, Olga Guillot, Loreena McKennitt, Shirley Bassey, Barbra Streisand, Elisabeth Schwarzkopf, Jessye Norman, Elīna Garanča y Anne Sophie von Otter. No están todas las que son (mis voces femeninas preferidas), pero sí son todas las que están.
Traigo un maravilloso recital del gran guitarrista David Russell, interpretando diferentes obras musicales, transcritas para guitarra, en tres iglesias románicas del Camino de Santiago (las tres de la provincia de Palencia). Por este orden: San Martín de Frómista, La prise de Gaeta de Jacques de Luc; Santa María la Blanca (Villalcázar de Sirga), Cantigas de Santiago de Stephen Goss («Cantigas de Santa María» de Alfonxo X El Sabio y «Cantigas de amigo» de Martín Codax); y Santa María del Camino (Carrión de los Condes), Dos preludios corales de Juan S. Bach, Air varié nº 1 de Giulio Regondi. Y al final, ¡cómo no!, la Ciudad del Apóstol. En Santiago de Compostela podemos escuchar su interpretación de «Muñeira» de la Suite Compostelana de Federico Mompou. ¡Fantástico Russell!
La música es vida y la vida es música. Leif Segerstam
No se pierdan esta entrevista de Andrés Lacasa al director invitado de la Orquesta Sinfónica de Galicia Leif Segerstam —acompañado por el titular Dima Slobodeniouk—, que además es compositor y profesor. Podremos aprender conceptos musicales y vitales: la alegría por la superación de un cáncer, el disfrute de la gastronomía, la relación con su antiguo alumno Dima (que también aporta lo suyo) y cuestiones filosófico-musicales. Para el director finlandés todo es cuestión de aprovechamiento de las oportunidades que se nos brindan. Pues, como dice al principio abruptamente este músico vitalista, "el tiempo no existe".
Y si lo desean, escuchen su interpretación de Schehrezade, de Rimsky-Korsakov, al frente de la OSG. Les aconsejo que la disfruten.
Habla Amancio Prada casi como canta, dice el entrevistador de la Voz de Galicia, que recuerda su reciente éxito en la catedral de Santiago, dos escolanías. Y el cantor berciano, que ya no vive en Ponferrada, nos recuerda que fue niño de coro en Cambados. También su paso por París en el post 68, donde quedó marcado por Moustaki, Brassens y otros ídolos de la canción francesa. De ahí su evolución de vocalista de orquesta a moderno juglar. Sin olvidar sus orígenes de niño de aldea en el Bierzo, la quinta provincia gallega, «el pórtico natural de Galicia». Y entre otras confesiones mundanas, vino mencía de por medio y una loa de las Rías Baixas, elige la canción Maio maduro maio, de José Afonso.
Y nosotros reproducimos parte de nuestra crónica de la noche del 14 de enero de 1999, cuando actuó en el Teatro Colón de A Coruña, junto a María del Mar Bonet, traducida del gallego, idioma en que fue concebida originalmente para su publicación en la desaparecida revista musical Na Gaits:
Tras un breve descanso, apareció con una teatral puesta en escena Amancio Prada, envuelto en una mortecina luz y acompañado de tres músicos para la ocasión. Surgía como de una noche misteriosa con la zanfoña en las manos y la voz desnuda desparramando estrofas populares agudas y picantes, a modo de los cantares de ciego; rompía así el silencio con una pieza de su obra Caravel de caraveles. Después, este juglar contemporáneo, poseedor de una rara sensibilidad y con un decir siempre acariciador –aún en las frases más incisivas y cortantes–, recorrió su repertorio acompañado de los otros músicos (Rafael Dominguez, violoncello; Pedro Navarrete, piano; y Cuco Pérez, acordeón) o solo con su guitarra. Fue de este modo, a través de Canciones de García Calvo y de García Lorca, recalando especialmente en poemas de A dama e o cabaleiro («A dama que ía no branco cabalo», «O río levaba os ollos», «Amiga, namorado vou») del genial Álvaro Cunqueiro. Incluso se permitió un cuento de este autor, extraído del libro Xentes de aquí e de acolá, mostrando sus cualidades de histrión, de buen dominador de la dicción y las pausas. Si los arreglos musicales no eran, evidentemente, tan complejos como los que habían envuelto la María del Mar, sin duda Amancio suplió la diferencia –que no carencia– con una variedad de expresión y gestualidad propias de un dominador de las tablas y de un artista singular. Al final de la actuación se fundieron las voces de los dos cantantes para recrearse en versos de Rosalía, nuestra más ilustre poeta. Llenaron así el espacio sonoridades inspiradas en dos poemas de Cantares gallegos: «Adiós ríos, adiós fontes» y «Campanas de Bastabales».
Querido Fritz, mi muy querido y añorado Fritz. Te debía este pequeño homenaje... Un arte supremo… llevado a las cotas más altas que se podían imaginar para alguien que andaba en la treintena.
Muchas cosas hiciste en ese corto periodo de tiempo en que estuviste aquí junto a nosotros. Llegaste de la mano de tus padres; de tu profesora, invidente ella pero no sorda desde luego, que te impulsó hacia el terreno del canto; de tus amigos de profesión (que bello gesto verdad esa confabulación entre Josef Traxel que fingió enfermar y que estaba confabulado con el primer reemplazo, el enorme Wolfgang Windgassen, para darte la oportunidad de estrenarte en Sttutgart y nada menos que con tu amado Mozart); de muchos y muy buenos músicos que te ayudaron en tus bajos momentos (Giesen, maravilloso y honorable, Karajan, único y conocedor de la excelencia, Hermann Prey, humilde y humano, y otros muchos).
Hace ya casi ocho años, cuando me acerqué a la figura de Jussi Björling, dejé escrito que pocas veces una voz humana (masculina) me había llegado tan hondo la primera vez que la escuchara, y que en la tesitura de tenor quizás solamente Alfredo Krauss y Fritz Wunderlich me habían alcanzado de modo semejante desde el primer momento. Esta valoración personal se puede leer AQUÍ.
Desde entonces, he estado dándole vueltas a una entrada sobre Fritz Wunderlich, pues de Alfredo Kraus ya había escrito poco antes. Ha pasado mucho tiempo, escuchando interpretaciones suyas, nombrándolo repetidamente a lo largo de este espacio bloguero o trayendo grabaciones suyas, sin hallar la inspiración necesaria para una adecuada semblanza de este tenor, muerto trágicamente a los 35 años.
Y ahora, asistiendo a un texto de Julio Salvador Belda Vaguer, en su blog de música "Sentidos", desisto de mi intención primera, pues no creo que encuentre nada mejor que decir sobre el gran tenor. Esa entrada de Julio la hago mía y, por lo tanto, me basta enlazarla para darme por satisfecho. El fragmento inicial a ella pertenece.
Así que no me queda más que darle la enhorabuena al autor de este artículo y las gracias por la extraordinaria e histórica grabación que adjunta como ilustración de la capacidad canora del gran tenor. Por nuestra parte traemos, ¡cómo no!, otra espléndida interpretación de Fritz Wunderlich. Disfruten de su canto.
Aria de Tamino de La flauta mágica de Mozart – Fritz Wunderlich
